爱地人

这几年的欧美乐坛，频繁出现一些专辑屠榜的现象，比如Taylor Swift的《Speak Now》，比如Beyonce的《Lemonade》，还比如今年红遍全球的ED Sheeran的专辑《÷》，就都完成了一张专辑所有歌曲全部上榜（公告牌）的纪录。黄老板的《÷》专辑，甚至连DISC 2部分的五首歌曲，都入围了榜单。

原本以为这样的案例，在华语乐坛只能“活久见”，没想到刚播完的电视剧《欢乐颂2》，它的原声带，就发生了类似屠榜（之所以说类似，因为直到现在我们都没有一个公告牌）的事件，很多人都在转发《天已黑》、《我们》、《爱我所爱》、《错爱》和《错过》等剧中歌曲。虽然目前我们还没有公告牌，但从热度上讲，说《欢乐颂2》的OST屠榜，也是没错的。

当然一张电视剧原声屠榜，并没什么好奇怪的。因为很多时候，原声碟都会采取金曲精选模式，甚至不惜动用一切资源，邀请几路好手共同创作、共同富裕。但是《欢乐颂2》这张OST最大不同，一是它们都来自一个音乐人的作品，二是电视剧的原声，完全是靠16首原创歌曲支撑的。从经济学角度来讲，原本创作这16首歌曲的精力，完全可以用在16部电视剧上，再凑合几段过场和应景的配乐，简直是好几年的好买卖。只能说创作《欢乐颂2》的音乐人，太实在了。

创作《欢乐颂2》的音乐人，是一个人，也是两个人。他们一个是作曲董冬冬，一个是词人陈曦，他们被称为创作界的“神雕侠侣”，从《时间都去哪儿了》到《一次就好》，从《一念之间》到《以人民的名义》，歌迷早就把他们当成一个人，他们也愿意把他们当成一个人。都好。真好！

董冬冬和陈曦的作品当然听过不少，但《欢乐颂2》却有很多意外。虽然是一部轻松的都市剧，但《欢乐颂2》的歌却不易写。五个性格迥异的女性，再加上剧情中不同场景和剧中人不同心情的变化，要以歌曲这种既抽象又具象的形式，去衬托、提炼人与景的差异，真的是既需要想象力，又需要创作的耐心。

像安迪和小包总在第一集的外景地普吉时用的《咖喱咖喱》，就真的很难和《我们》、《天已黑》这样的作品联系到一起，很难想象原来是出自同一个（对）创作人的作品，夏威夷般的热带曲风，阳光海滩那种一望无际的清爽，与以前擅长营造层次的董冬冬、陈曦出品，简直就是……北京到普吉的距离吧。

当然还要回到情歌部分。如果说《欢乐颂2》的歌曲，如今在各大排行榜展开屠榜模式的话，其实《欢乐颂2》这张电视剧原声，本身也是自带榜单功能，16首歌曲的18个版本，就是一个标准的TOP18，能够战胜董冬冬的，只有陈曦老师。同理，能够战胜陈曦的，也只有董冬冬老师。

在《欢乐颂2》的OST里，最最引起人注意的，还是《天已黑》这首作品，因为这首歌曲同时交给了三个歌手演绎。即使不是电视剧的主题曲，但作为情感主题曲的这首歌，因为在剧中的重量，以及它本身的出彩，再加上有三个歌手演绎的比较功能，也成为TOP里的人气王。

《天已黑》的歌曲和编曲都很简单。编曲几乎就是用箱琴来勾勒整首歌曲的主体，而且很多时候，一直觉得他在歌曲的高潮处，会用弦乐来帮着起势，甚至都已经做好准备了，但实际上他却仅仅只是增加了不同和弦的吉他声部，以及加入了贝司的低音部分。这种在减法的层面做简单加法的手法，既让作品保持了音乐上适当的层次感，又让音色与节奏不至于太密，从而影响了歌曲本身与歌手声线的穿透。因为编曲和歌曲本来需要的就是互补，编曲太满难免会影响作品细节的呈现，就像现在烂大街的弦乐运用，更多时候并不是帮忙，而是覆盖了歌曲，最终只能两败俱伤。

回到《天已黑》这首歌曲。歌曲同样非常简单，不就是一首慢歌吗？不就是一首情歌吗？不就是一首抒情歌吗？就不说You Can You Up这样吵架的话了，实际上有时候越看似简单，越多人写的题材，才是最难写的。音乐界的大师，有时候靠的不是他的全才，那种在乐器和风格上玩魔术，而是在最基本的层面，做到最升华的效果。比如在听到《天已黑》这首作品时，我恍惚间也想到了另一位华语乐坛大师级别的音乐人：小霞姐（陈小霞），她的《十年》、她的《好久不见》，都不玩技术，都只有简单，但听《好久不见》那种十年也不会过时、也不会厌倦的旋律，其魅力就是于简单处的细节捕捉、心声共鸣，以及情感回响。

董冬冬的旋律，工整但优美，很好地发挥出汉字单音节的特点，像是在田字格的方寸间，用搭配、穿插、呼应和避就的方式，形成一种有节制的自在。慢板的旋律，足够让每个字都有表现的空间，每一句的停顿，也像是一种艺术的留白，留给下一秒的情绪，留给下一次的转折，甚至像歌里说的，留给“下一次的轮回”。

陈曦的歌词，没什么生僻字和冷门语，但因为结构和意境上的特点，却让整首作品有了一种都会气息的美感，优雅、现代又简洁。这首作品最有意思的，就是在主歌和副歌部分，分别用了二字与三字作为起头，比如主歌部分的呼吸、自己、心底和寻觅，以及副歌部分的天已黑、人易醉和想去追等等。

这种结构除了给人一种东方的结构平衡美感之外，其实根据呼吸、自己、心底和寻觅这样的词汇，所展开的后续语句，也像是有一种延伸和拓展的功能，让情绪一下子有了新的宽度。甚至于让一些从事文字工作的歌迷，禁不住有为这些二字和三字词组之后，加冒号、加破折号、加顿号的冲动。而标点符号，从来也都是一种情绪的表达方式，像《天已黑》这样有隐藏标点符号来表达情感的作品，需要的是很扎实的文字功底。

与此同时，包括这首《天已黑》在内，像之前的《当爱成了往事》这样，陈曦还特别喜欢用一些类似主题去创作全新的作品，在看似不大的拓展空间内，用文字的立意、结构，最重要是情绪与文字的水乳交融，生出全新又独特的意境。

《天已黑》这首歌曲在《欢乐颂2》的OST里，也有三个版本，分别由杨宗纬、邓伦和李阳演绎。

李阳和这部OST里演唱《音乐带我解脱》的许鹤缤一样，都是圈内闻名的DEMO歌手。他的演唱咬字清晰，把歌曲旋律部分的柔和，以及文字的立意，以一种更明亮的方式呈现，就像正楷字体，大方自然也精准。李阳的演绎，在很多时候都给人一种《不让我的眼泪陪我过夜》时期齐秦的那种感觉。这样的演唱，确实是最大限度突出了词曲的线条美感。

邓伦的版本则是因为剧情需要，因为在《欢乐颂2》里，他饰演的谢童就是歌手，而《爱我所爱》和《天已黑》这两首歌曲，既成为他在剧中角色的“代表作”，也成了他和女主之一关关的情感主线。邓伦的演绎无疑是小家碧玉的，比较随意甚至含糊的咬字，也弱化了歌手唱的属性，更像是呢喃的轻语，这种面对面的“苏”，也是听起来非常暖男的版本。

而杨宗纬演唱的版本，配合第52集那一段3分多种的关关与谢童的情爱成长史，不仅像是一部完整的MV，也像是《欢乐颂2》里独立成章的剧中剧……

杨宗纬的演唱还是老辣，这种老辣既体现在技术，也体现在情感，或者说情感对于杨宗纬这个级别的歌手来讲，也是技术的一部分。比较厚重的鼻音，以及非常磁性的低音下潜，都让杨宗纬版本的《天已黑》，聆听效果上特别入味。而在主歌和副歌的处理上，杨宗纬并没有用副歌等于主歌的升级这种简单的处理。非常好的连贯衔接，也让作品没有主歌和副歌的那条线，在副歌部分用先收后放再收的循环，再加上尾声轻巧的假音，更让旋律在一个优雅的弧线之后，又回到了作品“等待下一次轮回”的这个点上。

至于三个版本哪个更好，也只是各有各爱了。就像《欢乐颂2》OST的TOP榜，究竟哪首更好的问题一样，歌是都好的，只等你对的时间了。即使《欢乐颂2》在档期的理论上下架了，但音乐的回响，却是没有时效的。

十二首歌曲、一张专辑、用名字命名，赵照把该做的事情做完了，他的第三张专辑也完成了，接下来的事情就要交给听客了。如你，如我。

和现在的许多专辑不一样，《赵照》这张专辑听起来如此的没有机心，它似乎并不追求一个明确的目的性，比如商业上的要求，比如艺术上那种高度的追求。我们常听现在的很多孩子，在舞台上、在节目中，对着观众和歌迷说“玩音乐”一词，我们也慢慢习惯了原来音乐是玩出来的。但实际上在操作的过程中，想要达到玩音乐的境界，是很难很难的。尤其是当你为自己的专辑，预设一个目标时，那么基本可以确定你终将被音乐玩了。

所以，也正是因为赵照对于自己的这张同名专辑，没有什么“远大目标”，所以在聆听层面，反而能够让我们感知到更多玩的意味。这个玩，不仅仅是操作音乐的动词，更代表着随性、自由、舒展、从容、自然这样的形容词。即使赵照在编曲层面的“打补丁”，让身在其中的他，未必能够享受到全然的自由，但至少从聆听者的角度来讲，这种专辑是足够自由和随兴的。毕竟有时候，音乐人和听者作为当事人与非当事人的两方，多少还是会对作品有不同的感官认知。

掐指一算，《赵照》离上一张专辑《糙》，竟然已经整整相隔了五年。这五年来，对于赵照来讲，有着不少生活境遇的变化。《当你老了》火了，赵照也算有知名度了，金子终于闪光了，酒香也给更多人知道了。在这种状况下，当年创作和录制《糙》过程中，那种闭门造车的可能性，显然是没有了。

这种境遇的变化，完整的体现在了专辑的整体结构上，如果说之前的《大经厂》和《糙》，像是长篇小说的话，那么这张专辑专辑无疑像是短篇小说集。它们看起来零碎又各自独立成章，但因为不同作品在情绪上表现的彻底，反倒更像是对赵照过往创作的一次回顾和梳理。

就如同专辑红黑双色的封面那样，《赵照》在音乐上也有着红与黑二元的对立，红的代表激情、力量，从音乐上也是摇滚的部分；而黑色则代表压抑、悲伤，并用民谣的方式表达。这也回到了一个艺术家的创作根源：矛盾。也可以说，自我纠结的矛盾，是一切创作的源头，比起多元时代的混沌来讲，这种矛盾的二元切换，实际上更让人觉得简洁明快、干脆利落。

相比赵照的两张专辑，《赵照》在音乐上无疑要重了不少，编曲上不仅趋于民谣摇滚的方向，而且在像《过期荷尔蒙》和《请你轻一点折磨我》这样的作品里，甚至还玩起了布鲁斯摇滚。但曲风对于这张专辑来讲，有时候反而是最可以忽略的东西。从赵照的表达来讲，这种民谣加摇滚，颓废加刚烈的表达方式，几乎是他音乐血液里无须修饰的本色。线条虽然粗犷，但枝丫却显得野性却又茂盛。

《过期荷尔蒙》无疑是专辑里最招摇的一首，标准的布鲁斯Riff，无须强调概念与创意，却同样酣畅淋漓。而且这种玩世不恭的情绪，对于歌迷来讲也是久违了。现在的歌曲吧，都太正经、严肃，而且过于追求技术化，像这种混不吝的舒展作品反而越来越少了。这首歌曲，也让我想起当年郑钧的《赤裸裸》，或者常宽的《玩世不恭》，倒不是在回忆中国摇滚的峥嵘岁月，只是觉得玩音乐的人，还是应该保留这种痞而混的荷尔蒙。而这种荷尔蒙对于赵照来讲，也是找回创作激情，展望未来人生很好的过桥，挺好！

至于《请你轻一点折磨我》这样的作品，与其说是对布鲁斯音乐的致敬，倒不如说它和《没头没脑》这样的歌曲一样，又回到了民谣的源头。当民谣已经被诗和远方、床和姑娘捆绑，赵照则用《请你轻一点折磨我》这样的小折磨，《没头没脑》这样的小无常，以及相似的小叹息，将生命中俗却平实的细节，演绎出活却自然的精彩，比起有些精心的设计、精妙的诗意来讲，更像是贴心的小棉袄。

这种非设计感，也体现在专辑作品的旋律和填词上。无论是《夏日的最后一天》还是《大桥边》，作品的旋律不仅是一气呵成的，而且明显有一个情绪的递进，像是遵循着最基本的创作原理，也接近一个音乐人最原始粗放的表达。而在作品里不断循环“噢大桥边”（《大桥边》）、“这就是真相”（《夏日的最后一天》）、“一定一定一定”（《一定》），初听起来像是词穷，但这种反复的唱词，在恰当的时候，反而能形成一种层层递进的效果。字数虽少却又无穷无尽。

赵照形容自己在专辑制作的过程中，是为音乐打补丁，在我看来，赵照的补丁技术，一直是国内民谣界最强的，也正是因为如此，他才能经常出现在像蒋明、赵雷等人的专辑或作品里。赵照的编曲手法，很明显是自学成材，所以也就没有学院化的那种刻板，他无须将一种元素运用到经典十足，点到为止的把握，反而让这些补丁显得充满想象力和创造力。

《一匹白马》里的三拍，既像华尔滋却又充满了烟火味，最终形成了命运的交响；《一定》里的电子鼓点，在赵照手里也不再是起来嗨的杀器，更像是沉重有力的心跳声，最终在音墙的混合下，形成一种迷幻又充满实验气息的氛围空间。《没头没脑》里多重的打击音效，既增加了作品的层次感，也让无常的命运听起来更无常。

虽然也有后期的一些补丁，但《赵照》整体就是一张粗犷、随性的作品集合。这中间既可以听到民谣或者民谣摇滚根源性的东西，其实也可以从中追溯到赵照创作的根源。从一个音乐人的发展轨迹来看，《赵照》更像是赵照音乐生涯中，近似缓冲带的阶段，是对自己创作的梳理，也是对本色的释放。

至于未来的赵照会怎么玩，这样的问题似乎有点过于深谋远虑了。

一首好歌的要素有很多种，而认为一首歌曲能不能达到好歌的程度，更是因人而异。但其中有一点却是很多人不能否认的，那就是当你听完一首歌曲后，没办法从歌曲里走出来了，那这首歌曲就一定是好歌。

《昨夜以前的星光》无疑是一首能够让你听完之后，走不出歌曲世界的歌曲。作为一首追忆青春的歌曲，张阳阳并没有单纯地打感情牌，也没有打让所有人起来嗨的激情牌。很明显，从歌曲的创作到演绎，首先是张阳阳本人陷进去了，当所有的情感都以一种自然的方式呈现，那种超越歌曲载体的情绪，就会以几何倍数增长，从而让听者也无法自拔。即使旋律的最后一个音符尘埃落定，依然会让人有种欲说还休的感觉。

换一种方式来讲，也可以说张阳阳写的不套路、唱的很真诚。《昨夜以前的星光》这首歌曲的旋律，并没有加入学院化的技巧，和所有草根出身、半路出家的创作人一样，张阳阳只懂得、也庆幸他只懂得用自己最舒服的音域，最简洁上口和最自我本色的旋律，去谱写出一段有心跳、有心思的旋律，而不是用专业的套和声，去套出一首歌曲，以完成一种量身定造。

另一方面，《昨夜以前的星光》除了旋律的清新质朴，能够让人联想到校园民谣，由此回忆起青春岁月之外。其实这首歌曲在曲式和编曲上，同样有着都会流行曲那种细腻的层次和质感。两者相融合，也非常好地契合了《夏至未至》这部偶像剧，“青春聚散、落入都市”这样的时间轴和地点轴。因为《昨夜以前的星光》的另一个身份，也是《夏至未至》这部偶像剧的推广曲。

在参加《快乐男声》后的这几年，张阳阳出了不少的单曲，其中也不乏一些影视推广曲和活动主题曲。和张碧晨、郁可唯这样的师姐不同，张阳阳并不是通常意义上的大歌歌手，即使是唱摇滚类的歌曲，张阳阳同样会表现得很克制和节制。而他的克制和节制，除了在《昨夜以前的星光》里这首歌曲中，表现出老司机那样的稳之外，也保证了歌曲的密封性，让人听完了走不出来。因为克制和节制的情感，反而能够提高情感的密度，让情感在歌曲里无处不在。

其实，张阳阳的声线，在高音区也有着摇滚歌手必须的磁性。在很多时候，听张阳阳的歌曲，都让人想起了九十年代国内的超级偶像景岗山，那种可以撕裂、却不惨烈，有点烟熏、却不过度的声线，也是一种无解的天赋，是可刚可柔的利器。

但张阳阳似乎从来没有把这个当成武器去卖弄，依然会配合歌曲的内容去实现音乐的收与放，去实现一种情感与声线的平衡。比如在《昨夜以前的星光》这首作品里，主歌部分开头的演绎，就有一种倾诉的效果，一字一句轻轻地唱出，就像一本日记的开篇，极有画面感地“翻”开了整首作品。

《昨夜以前的星光》也是张阳阳自己创作的作品，而创作，也是张阳阳这几年音乐事业发展中的一条主轴。张阳阳的创作，并不是那种大开大合的开放结构，就像这次的《昨夜以前的星光》，他特别擅长的还是一种平衡，那种聚与散、爱与恨、温暖与忧伤、平和与执念的平衡，也由此把一由优美的诗歌，写出了一首荡气回肠的青春之歌，为本来就充满了旋律的青春，勾勒出最细腻的线条。

在同期的快男中，张阳阳并不是娱乐曝光率最高的一位，也不是在音乐事业上比较激进的歌手。在这个一切都往更高、更快、更强走的时代，张阳阳的正常速度，甚至在这样的背景下，更像是一种慢速。

但《Tell You》的清爽纯朴、《转眼不见》的纯爱动容、《最佳剪辑》的奇思妙想，以及《回家路上》的细思怅惘，再加上这次这首新单曲《昨夜以前的星光》那种星光闪烁，张阳阳更像是一个不是娱乐明星的歌手，一直陪伴在你我身边，以一种少年依然的姿态，让音乐在不失速的状态下，尽可能保持那种动心、走心和扎心的原味感。

在80后的青春中，谁没有几首潘玮柏的歌曲，收藏在记忆的最深处，并最终与青春的往事合而为一、融为一体。虽然，有很多的80后歌迷，在当时并不知道他们爱听的潘帅，唱的是一种叫做嘻哈的音乐，他们能够说出的观点，也就是潘玮柏亦说亦唱的歌声，和传统的华语流行乐不一样，以及So Cool！

如今，潘玮柏又来到一个关注度极其高的舞台：《中国有嘻哈》，这也看成是他在主流娱乐视线的一种回归。岁月虽然是指杀猪刀，但却没有在潘帅身上留下任何的痕迹，他依然还是当年那个阳光帅气的Rapper，或许多了几份成熟，但还是那么给人正能量、好说话。难怪很多选手，会情不自禁的选他。

但在一些节目的观众，对于潘玮柏的出现，在心头还是会出现一个大大的Why？这个Why问的就是潘玮柏到底是谁？他又为什么来到《中国有嘻哈》这个舞台并且担任重要的明星制作人角色？毕竟对于很高95后、00后歌迷来讲，潘玮柏只是一个江湖的传说，却没有陪伴暑假的记忆，在音乐切身的亲和力这一块，自然要输于这个时代当红的歌手，或Rapper们。

但《中国有嘻哈》是一个有备而来的节目，在明星制作人这么重要的问题上，也要兼顾四方，绝对是不会胡来的，所以请潘玮柏自有请潘玮柏的理由，这个理由其实很简单，因为潘玮柏就是一个Rapper，而且是一个曾经在流行的高度和广度上，影响过一代人的Rapper。

还需要其它理由吗？

很多人把嘻哈音乐定义为街头艺术，这当然没有错。但当一件事情，总是被一种标签定义成一种样子，那显然就是比较狭隘了。就像很多摇滚乐迷，对于摇滚乐的定义只有精神一个标准时，那受这种影响搞出来的摇滚乐，经常出现神经的现象，也就不足为怪了。

对于有些歌迷来讲，他们也许更喜欢《中国有嘻哈》的另一位明星制作人：MC Hotdog。因为他的作品够黑、够脏、够屌、够酷。尤其是站在底层的立场嬉笑怒骂这个世界，更特别能够满足年轻人这个群体的荷尔蒙释放需求。而且在很多嘻哈歌迷眼里，也只有这种站在穷人立场，作品有着明显个体立场，并且充满了情欲、江湖的说唱作品，才能称得上是真正的嘻哈。这种想法，既是对的，也是错的。

对的是这样的嘻哈确实是嘻哈，错的是还有别的说唱也是嘻哈。比如潘玮柏的嘻哈。

潘玮柏出现的时代，还是一个华语嘻哈音乐相对贫乏的时代，在那个时代相对为人所知的说唱歌手，最有名的恐怕就是MC Hotdog、周杰伦等等寥寥无几的几位。不可否认，还有很多活跃于地下的Rapper们，在那个时代也在做着嘻哈音乐的推广工作，但在一个草莽的时代，最后像潘玮柏这样少数的成功者，其成功肯定就有他们成功的道理。

出生在美国的潘玮柏，和王力宏等歌手一样，属于典型的ABC。这种人生环境的成长，最大的好处，就是在当时的华语乐坛，潘玮柏就是一张白纸，他不会背上香港和台湾地区中文流行乐的历史包袱，告诉他应该怎么写、怎么唱。

相反，当时的潘玮柏，就如同把R&B带回台湾的陶喆一样，同样把嘻哈这种潮流的音乐表现形式，先是带回了台湾，继而传遍了整个华人乐坛。而他们在过程中，做到的不仅是传输的作用，更有开创的意味。

在一片前人的荒芜中，潘玮柏占有时间的优势，却也需要全新的开拓，正如同在一张白纸上画画。虽然都是说唱音乐，但潘玮柏从小接触的美国说唱音乐，和后来他说唱的说唱音乐，其实并非同一种音乐。相比别的以旋律和歌词作为构成的流行音乐，说唱音乐由于是一种通过语言文字的韵律，延伸出旋律和节奏的音乐，中文和英文本质的不同，也决定了两种说唱音乐在逻辑上的不同。

在这种转换过程中，潘玮柏并没有用美式的Beat配中文歌词这样的“巧劲”，他的方式则是反其道而行之。以中文歌词的说唱为主导，再顺势加上更适合中文的编曲，从而创造出了一种听起来很现代、很国际，但却可以被所有中国人接受，而不会觉得听起来别扭、晦涩的通俗中文说唱。这种通俗，也可以解释为雅俗共赏。

无论是《壁虎漫步》还是《快乐崇拜》，或者是《我的麦克风》和《24个比利》，潘玮柏所表现出来的中文说唱，很明显是在正常中文读句基础上，所进行的音乐改良，并且还加入了更符合中国人习惯的旋律部分，于编曲上也融入了许多简洁明快的舞曲模式。所以潘玮柏的歌曲听起来往往是口齿伶俐并且清晰。而且不像有的中文Rapper一样，为了更靠近美式嘻哈的感觉，把中文处理的特别别扭，尤其是不符合中文交流的正常习惯。潘玮柏的嘻哈，给人的感觉就是轻松自如、自在自由，像是一种经过艺术加工的脱口而出，一切都是刚刚好。

不能否认，恰恰是潘玮柏的出现，让许多不懂嘻哈的歌迷，第一次知道了嘻哈，并且从此爱上了嘻哈。而他以美国生长的视角，也更容易知道什么样的嘻哈，才是华人在大众层面，最能够接受的嘻哈。从流行和市场的角度，潘玮柏就是中文说唱的推广大使，在中文说唱刚形成概念的时代，提供了许多经典的样本和模板。

另外一方面，潘玮柏的中文说唱，也同样是接地气的说唱。很多人认为只有色情与暴力，才是说唱的内涵，没看到说唱里有一个种类，就叫Gangsta Rap吗？但地域文化的不同，导致了说唱乐的背景也会产生相应变化。美国的Gangsta Rapper们，可以挂着金链提着枪在街上晃悠，你行吗？

相反，潘玮柏在当时以青春偶像那种阳光帅气，并且带有邻家男孩的形象亮相，却无疑带动了他音乐的传播度，因为更多的年轻歌迷，不仅希望听到新的流行音乐表现方式，其实也希望在自己的青春记忆里，留下一些清新偶像的身影。而当时的潘玮柏，就好比是曾经的“小虎队”或林志颖，只是《十七岁的雨季》变成了又酷又洋气的《壁虎漫步》而已。

作品能传唱、音乐有开创、形象很偶像。所以，你还说潘玮柏不是一个Rapper吗？

在谭咏麟和杜丽莎两位香港乐坛殿堂级歌手，演唱完《爱与痛的边缘》之后，江苏卫视第一季的《金曲捞》，也就此完美谢幕。虽然是一周一期的节目，虽然每期节目也不过打捞三、四首金曲，但三个月下来，还是有很多尘封后被打捞上来的歌曲，没能来得及消化完。

《金曲捞》大概是迄今为止最有情怀的一档音乐真人秀节目了，虽然此前的选秀节目，也常常会打捞起一些尘封的单曲，让那些曾经没机会大红的金曲，在改编之后重新焕发了青春。但却不像《金曲捞》这个节目那样，定位精准、全盘打捞，而且让翻唱和原唱直接在台上喜相逢。

与此同时，就像叨叨团成员之一的黄国伦所说的那样，《金曲捞》这个节目除了有情怀之外，其实还是一档非常尊重音乐人的节目，让那些曾经写过优秀作品的填词人、作曲者，以作品作为载体，重新出现在大众的视线。其中有些作品的作者，像创作《东京铁塔的幸福》的郭子，创作《与泪抱拥》的徐日勤，创作《我们之间的事》的陈晓娟等等，甚至都已经逐渐淡出乐坛，但经由这次乐坛打捞行动，也能够让怀旧的人回忆起他们的名字，让真正喜爱音乐的人，能够全新记住这些曾经辉煌的名字。

感谢原唱者、感谢翻唱者（唤醒师）、感谢主持人、感谢叨叨团、感谢现场的500名评审、感谢灯光和音响，感谢舞美和赞助商，除了CCTV和MTV，《金曲捞》这个节目似乎该感谢到的都感谢到了，但你还是忽略了重要的一点，那就是舞台上无数首金曲的“化妆师”。

这次的《金曲捞》，请到的是国内著名的音乐人、定位制作人、编曲人刘洲老师。刘洲也是目前国内乐坛中生代音乐人中的翘楚之一，而他最大的特点，就是一切皆有可能。比如刘洲曾经担任过国内首档EDM选秀节目《盖世英雄》的音乐总监，目前因为Freestyle受到极高关注度的国内首档嘻哈选秀节目《中国有嘻哈》，也同样是由他出任音乐总监一职。

如果我说刘洲还是李玉刚《莲花》专辑的制作人，吉杰《红与黑》专辑的制作人，并且还是谭维维爆款单曲《给你一点颜色》的作曲兼制作人，你是不是觉得更不可思议了。因为很明显，刘洲在音乐上可执行的宽度，明显已经超过了有些歌迷想象力和音乐接受度的边界。才华横溢这个词，对于刘洲来讲确实不算过度的褒奖，因为他在编曲的世界里，确实常常让自己的音符，横着溢出来了。

一首《给你一点颜色》，因为和华阴老腔的结合，从而引发了音乐传统文化的大讨论，这也是近几年音乐选秀节目中，非常难得见到的现象级现象。传统与现代、摇滚与民歌、东方与西方，刘洲也在这样的交汇、跨界、融合中，达到了一个音乐人的巅峰时刻。

但《金曲捞》这个节目的音乐逻辑，相比《盖世英雄》或《中国有嘻哈》，以及像《给你一点颜色》这样的作品，却有很大的不同。后几者其实考验的往往是音乐人的创新能力，对于新的音效与节奏，对于最新元素融合的执行力，打个比方，也更像是在一张白纸上画画，不一定就简单容易，但对音乐人来讲，自由度却可以更大，玩的也会更爽。

至于《金曲捞》这个节目，却更像是对古建筑、古董和古字画的一些修补和改进，不能过于追求颠覆的效果，而必须在不影响尘封金曲原貌的基础上，做一些更适合节目舞台呈现需要，又更符合当代年轻人聆听习惯的改变。后者的要求，其实就是经典不能丢，更新也要抓，想想都觉得是个无理和不近人情的要求。

此次，刘洲担任了《金曲捞》整个节目的定位制作人角色，以接近电影导演的职能，真正起到唤醒金曲的作用，虽然在台上唤醒金曲的是各位歌手，但实际上有很多时候，刘洲才是提供“刺激歌迷”的幕后主谋。

在本次《金曲捞》节目中，印象最让人深刻的一次唤醒，也可以说最具代表性的作品，就是汪苏泷翻唱杨千嬅的《人情世故》。《人情世故》原本是杨千嬅在A Music时期的一首国语作品，而A Music可以说是杨千嬅音乐事业的一个低潮期，所以也影响了这首歌曲的流传，恐怕除了少部分歌迷，真的很少有人还能在多年以后，依然记得这首作品。

而杨千嬅处理的原作，本质上还是港台芭乐歌的模式。换到汪苏泷这一边，作为一个擅长演唱R&B、最近又迷上Funk的年轻歌手，如果重复杨千嬅的演唱方式，无疑是以己之短去唤醒。而在这个时候，定位制作人兼编曲的刘洲，则很好地结合汪苏泷的特点，将这首歌曲做成了复古灵魂乐加说唱的新版本，但又非常好地突出了歌曲原本副歌的旋律，并且在这一段上几乎不做修改，也才做出了一个经典旋律得以保留，动感节奏感染后晋的新版本《人情世故》。

其它像沙宝亮翻唱的《你还记得爱情吗》，表面上让人似乎觉得和辛晓琪的原作，也没什么两样嘛。但其实，刘洲领衔的音乐团队，还是去掉了原作那种偏音乐剧的编曲，而加入了一些流行摇滚元素，以突出沙宝亮情绪高潮时的声线硬度，在歌曲男女性别角色对换后，更侧重于男性那种阳刚的表现。

黄绮珊翻唱郑钧的《长安长安》，表面上看也是同样的道理，不就是摇滚吗？不就是和原版的摇滚差不多的摇滚吗？如果这样想，可真浪费了刘洲的定位。其实，郑钧原作的《长安长安》，定位的就是那个遥远的长安，如今的西安，所以这首歌曲里其实加入了陕北的秦腔元素。而在黄绮珊的《长安长安》里，则在副歌循环段中，出现了“哦嘿丫”这一段极具西南地区民歌韵味的喊唱，考虑到黄绮珊就是来自重庆的渝妹子，这样的小“伎俩”，可以说既贴心，也是让歌手的优点尽露无遗。

而就在收官的最后一期《金曲捞》里，刘洲和他的音乐团队，同样体现出这种与细节处见用心的地方。关淑怡的《可惜》，原作本来也是弗拉门戈的曲风，而这次周蕙的版本，则在弗拉门戈曲风的基础上，又增加了爵士和新古典的层次，整体感觉细节更丰富了，也像是原作编曲的增强版。

此后周蕙与迷弟王栎鑫的同台，身兼定位制作人和音乐总监的刘洲，也非常好地为王栎鑫与周蕙，提供了一个先场景浪漫、后音乐交融的氛围。开场的钢琴、弦乐，就像一扇引领王栎鑫进入音乐世界的大门，并且初遇了偶像女主角周蕙。而随着音乐的渐入佳境，鼓点恰到好处的加入，以及和声的互补，也让王栎鑫与周蕙两人，在《金曲捞》这个舞台抹平了偶像与迷弟之间的鸿沟，成就了一首完美的男女声对唱作品。而在背后牵线搭桥的，还是刘洲。

360行，行行出状元。《金曲捞》捞出了无数金曲，以及创作界的状元，作为爱音乐的你，其实也应该把刘洲这样幕后的音乐人，也捞出来让更多人知道。唱歌不易、写歌不易，编曲设计和定位制作，同样不易。而欲知刘洲下一回如何解决不易，请继续关注《中国有嘻哈》。

李炜的外形气质，决定了他是偶像歌手当仁不让的人选。而在很多歌迷眼里，他也确实是一个阳光帅气，又有一点才气的偶像歌手。当然，对于音乐创作和制作的执念，也决定了李炜明明可以靠脸吃饭，却偏偏要靠努力，和才华。

在加盟“诚利千代”之后，李炜推出过《I’m Here Waiting For You》这样温暖中充满力量的情歌单曲，而其实他也一直未忘一个歌手最重要的成绩单：专辑。很快，我们就可以听到李炜的最新专辑《城市之光》，而在《城市之光》还没有完全绽放光芒时，新专辑的首支主打《光芒》，却已经让歌迷可以先听到第一道光的声音。

李炜的上一张专辑叫《脱胎换骨》，其实无论是之前的《I’m Here Waiting For You》，还是这一次的《光芒》，每一次听到李炜的新作，都像是一次脱胎换骨，感叹一下从音乐质感上，又比以前有了全新的变化。

也许有的歌迷听歌，全看心情好坏，甚至不太关心音质，而这些歌迷也常常会用木耳，来自嘲自己对于音乐品质的感觉迟钝。不过，李炜的新作《光芒》，从听觉上来讲，却可以让木耳的歌迷，也能感受到音乐的层次，饱满的音效，甚至让节奏不仅只是鼓点，而是有了一种音律的波动。吉他音墙、钢琴和李炜的人声，也是有分有合、彼此呼应。

这样的音效，正是来自于格莱美获奖大师Richard Furch的亲自混音，才得以在技术上得到最大的体现。虽然在华语乐坛的传统中，永远是歌手大于词曲作者大于编曲大于乐手大于录音大于混音，越是技术的岗位越被人忽视。但在李炜的新作《光芒》里，却必须借次重点申明一下，技术虽然不能决定歌曲的艺术走向，但却可以决定美感的表现方式。

有了Richard Furch这样的大师操刀，并不是说李炜要在音乐上博取海外歌迷的好感，只是让自己的作品，能够在任何细节上，都体现出一种面面俱到的完美，而不是用什么理想、情怀，去掩饰技术上的缺陷，甚至不堪。

而李炜之所以在《光芒》这首作品里要这么做，恰恰也是源自他的制作人思维。不仅是这首作品，未来的《城市之光》专辑，也将由李炜本人担任制作人，并且控制着专辑音乐的走向。

回到《光芒》这首歌曲的音乐部分，每个歌迷对于这首歌曲，都会有不同的体验。喜欢高大上的，在这首歌曲里听到的是国际化的洋气，无论是编曲还是演唱，如果把中文部分换成全英文，这简直就是国外大咖的定制作品。喜欢正能量的，更是能够在这首歌曲里，得到足够的电量，就像一个大容量的充电宝，一曲完毕、满血复活。

虽然是一首非常励志、又充满力量的作品，但《光芒》不仅不是简单粗暴型，用几个和弦震爆人的耳膜就算完事。相反，这首作品反而在音乐表现上，极具细节层次，开场时清亮的钢琴琴键声，宛如微光和朝霞，在光芒绽放之前，做了一个非常恰到好处的铺垫。而之后副歌部分的扬起，则通过丰富的和声、饱满的鼓点，将整首作品的情绪推向高潮，让人心潮澎湃，光芒也由此在歌者和听者心头同时绽放。

而中间女声的英文旁白，则起到了类似电影里的画外声效果，多了一种诠释的支线，也多了一种表达的层次。这一切还没完，按照套路的模式，这样的编曲也就到此为止了，该有的都有了，难道你还想加量不加价？但李炜却在接近尾声时，又安排了一个新古曲的缓冲段，以华丽的钢琴Solo加上高雅的歌剧女声，也在卸掉之前已经释放的力量同时，继而用这样华丽的转身，做好继续推动情绪不断上扬的铺垫。比起那种主副歌简单重复两遍，中间用一段间奏过桥的方式，无疑更具层次感，而且二次推动的效果，即使不用升音，也能起到提升情绪、增大光芒亮度的作用。

《光芒》里的Baby，也是一种古老、传统但非常经典的用法。它其实是一种对梦想、理想、希望、信仰与爱的代指，或者说是拟人用法，是一种经常被摇滚或民谣歌手使用的手法。而这种人文化的修辞，其实也让整首作品，在国际化的制作线条下，有了一种人文的力量。对于在城市里孤立无援、心生疲倦，却又找不到人互相取暖的歌迷来讲，《光芒》就是一首可以温暖自我、雪中送炭的歌曲。

如果你的生命中缺少光，李炜的《光芒》就是为你准备的。

有多少女孩，幻想着在自己的婚礼上，有一段意外的惊喜，有一份我有人无的独特，但多数时候，更多人还是被婚庆公司的套路所套路，重复着他人的惊喜，复制着他人的桥段。

从这个意义上来讲，一个名叫杨烨的姑娘，是绝对的幸运儿，因为她的婚礼，最终被做成了一首歌，所有精彩的场景，都被融入了画面和音符。而且，配上的歌曲并非来自中华曲库，就是来自生命中最爱的人：张玮。

张玮的《降临》，你当然可以理解成一首秀恩爱的歌。但秀恩爱的歌曲有许多，也越来越多，但《降临》这首歌秀的方式，却和大多数歌曲都不一样，因为它的口感，其实并不甜蜜、甚至甜腻。

《降临》里没有卿卿我我的告白，也没有海誓山盟的立旗。在词人王耀光的文字里，非常具有大视野的将视角拉宽拉远，以“降临”作为一个时间支点，叙说出一个男孩关于告别和开始的故事。告别，是告别自己的青春；开始，是开始有爱人的新人生。当自己的爱人，成为生命中最重要的一个节点和支点，主宰一个男人生命的分水岭，“降临”的意义自然不言而喻。爱人在张玮生命中的重要性，同样更是毋庸置疑了。

所谓情歌，不过是温暖和悲伤两种，而张玮则赋予情歌以第三种色调：力量。想当年，张玮的一首《Hight歌》，曾经在《中国好声音》的舞台技惊四座、气吞万里如虎。从此后，这个扎着小辫，并有着无尽能量的歌手，就在很多人的记忆中被烙了印。

歌坛越来越炫、男性越来越柔，张玮的这首《降临》，却让音乐中回归了那种爷们儿的有血有肉、有迷惑有担当、有梦想有温情。男女需要平等，但从音乐的角度，男女却并不需要过度的平衡。男孩、男生和男人，即使在不同的年龄，还是得有属于自己性别特征的歌曲，比如张玮在《降临》里唱出的棱角、力量、锐度和血肉。

《降临》也是一首久违了的摇滚大歌。在记忆的深处，张玮的这首歌曲，也让人想起了“指南针”乐队和罗琦的那首《回来》，一样的洋洋洒洒，一样的有爱有梦想，一样的在高音的深处有回响。

张玮的《降临》也有着异曲同工之妙，虽然他的声线高亢且充满霸气，但却不是一种蛮力和戾气，而是一种充满生命力的光芒。张玮穿透的除了是高音音域的可能性极限，而且这种穿透的目的，却并不是为了穿透而穿透，为了卖弄而卖弄，而是穿出一种未来的希望和憧憬，展现出个体精神和意志力的一种强大，所以张玮的这首《降临》，听起来也才特别让人觉得血脉贲张，并且充满励志的能量。

你可以说张玮的《降临》是一首小情歌，因为他所唱及的“降临”，就是指妻子杨烨降临到了他的生活。举凡情歌，大致如此。

但张玮的《降临》又是一首超越小情歌的大情歌，恢弘辽阔的格局，也让人世间的儿女之情，被金志文的旋律、王耀光的歌词，以及张玮的歌声，提升到一个更广义的高度。将个体的小情，上升到更无边的爱的疆界，也让这首《降临》，成为了又一首大爱无疆的爱的主题曲，让所有人在一首情歌里，既听到情也听到生命的力量和涌动。情到深处不再仅仅只是醉人的爱意，还有酣畅淋漓、如梦如幻的无限境界。

时隔三年之后，金贵晟又推出了自己的新专辑。三年的时间，不短，也不长，但在这个头条天天扎堆的时代，三年的时间对于一个歌手来讲，确实已经是一个太长太长的间隔期，这个间隔期长到——甚至可以把一个歌手吞没，和遗忘。

但至少对于我来讲，金贵晟这个名字并没有被三年吞没。《I Believe爱不离》里多达50个的I Believe，直到如今依然难忘。而《虹之间》里情绪与声线的宽度及密度，也还是那么值得人去消化。

当然，关于金贵晟的好，其实在他的一首《让一切简单》里，就已经说明一切。金贵晟就是如此简单的歌手，也正因为对音乐的简单态度，让他可以把自己的创作和歌声，用到无穷处，也让时间与岁月的冲刷，都无法冲走作品里温暖人心的力量。在时间面前，能够留到最后的歌声，一定是像金贵晟这样简单又匠心的声音。

简单与匠心并不矛盾，比如这次金贵晟的新专辑《简装歌手》。虽然专辑名叫《简装歌手》，但绝不代表这是一张简陋、简略的专辑，只是金贵晟和他的团队，并没有将心思用在包装和套路上，该简单的地方，这张专辑足够简单；但该匠心的地方，却绝不偷工减料。

这一次首先要表扬一下《简装歌手》专辑的出炉过程，虽然一张唱片的核心是音乐，但就像去餐厅饕餮美食一样，恰到好处的点缀、氛围和体验，不仅能够衬托一道美味的佳肴，还能够为这道佳肴起到注解的好作用。

在《简装歌手》专辑正式发行前，“索尼音乐”陆续为金贵晟推出了EP专辑《更新世界》、《背面有你》，以及Single《等等爱》。《更新世界》几乎让人毫无防备，一下子就甩出三首EDM作品，用这样一种颠覆的方式，为三年后金贵晟音乐上的改变立旗。《背面有你》虽然回归了情歌路线，但也像是《更新世界》和上张专辑《I Believe爱不离》的一种中和。而《等等爱》与泰国钢琴王子ToR Saksit的合作，从组合形式来讲，就足够让人想入非非。

这样的三部曲，既可以归劳于唱片的企划，也是在这个数字单曲横行、因人因事却不因音乐而炒作的时代，一份让人久违了的纯正唱片企划。其实从最后金贵晟实际的音乐完成来讲，这个三部曲的企划，绝对不是为企划而企划，倒更像是一种勾勒，将你们知道和不知道的金贵晟勾勒出来。即使你以为的金贵晟，是那个唱《阿里郎》的金贵晟，但他同样也是一个能够在EDM里纵横驰骋的金贵晟。既然如此，那么为什么不能将这样的魔性呈现出来呢？

行家一出手、便知有没有。虽然是第一次玩EDM曲风，但还是要为金贵晟的掌控力点赞。《更新世界》里前卫的音色、饱满的鼓点，再加上加入Auto-Tune的人声，如果不是以中英文混杂的方式演绎，甚至让人以为这是一首来自美国的作品。

值得一提的是，对于像金贵晟这样的唱将歌手来讲，基本上都不屑于用Auto-Tune效果去处理人声，因为他们往往觉得这是侮辱了自己的技术，而这样的效果，更多是为不会唱歌的偶像歌手准备的。但金贵晟却突破这种狭隘的常规，并且确实在这首作品里，呈现出一种属于金贵晟的人声新可能性。尤其是他在Hook部分，与Auto-Tune效果借力打力的处理，也让整首作品充满了一种充满活力的灵气，很好地点了“更新”这个主题。

《So In Love》虽然不是金贵晟创作的作品，但还是要借地安利一下这首歌曲的编曲及制作人：宫阁。这位被提名今年台湾金曲奖“年度最佳新人”的音乐人，也是“索尼音乐”为华语乐坛贡献的EDM新贵，很有可能成为未来华语唱作人的中坚。不了解他？没关系，听听这首《So In Love》，时髦的电音和8 Bit音效的组合，潮流范儿中，就此多了些俏皮与调皮。而换了一种方式呈现爱情的金贵晟，不仅不会让人觉得他不正经，甚至在这样的情境下，给人更多接时代地气的共鸣感。年轻人的恋爱，早就不是那种声嘶力竭的如泣如诉，踩着轻快的EDM鼓点说出来，才是“So In Love”。

如果你还想要听到纯正、原味的金贵晟声线，也是有的。《背面有你》里的金贵晟，就是那个记忆深处叫做“灵魂歌手”的金贵晟，一个在情歌里不忘初心的情歌手。尤其喜爱“I Know I Know Love Is True”这段转折，都说重要的事情说三遍，而金贵晟则唱了六遍，就像《I Believe爱不离》里那50个“I Believe”一样，重复的唱段却营造了绵延的回响，情真也绕梁。

之前以《背面有你》为名发的EP专辑，虽然给出的是一个唱情歌的金贵晟，但除了《背面有你》这首主打曲之外，《找不到》和《我还是我》，还是与之前的金贵晟情歌，有一定音乐质感上的变化。《找不到》副歌部分用电音音效打底，也让金贵晟的高音不仅充满力量，更在加电之后有了独特的爆炸效果，听来过瘾更酣畅淋漓。《我还是我》里除了娃娃老师的“四字经”歌词妙笔生花，金贵晟优美柔和的旋律，以及副歌部分如在云端的歌声，更给人一种美轮美奂的感觉。

《等等爱》则充满了一种犹如热带一样的透亮色调，虽然是情歌，却让人轻松愉悦、心情舒爽。而这种明亮与明朗的感觉，也是这个时代情歌领域比较缺失的气质，也许因为这样的轻快与简洁，实在不能制造出戏剧化的效果，无法有利于洒狗血，所以也就被很多歌手忽略了。

但在这张专辑里，无论是《等等爱》还是《慢动作》，或是名字听起来像骂人、但实际上不是那么回事的《狗·男·女》，都让人听到现代都市男欢女爱里最生活化和情趣化的味道。生活并不是戏，情歌更不是戏剧，简单的金贵晟固然在音乐上足够匠心，但在情感的表述上，却极尽最真实和本色的简单。当金贵晟用加法的公式，最终做出完全没有技术赘肉的音乐时，也就有了这张《简装歌手》专辑。

尽管很不想用简约而不简单这句被用烂了的广告语，但不得不说，《简装歌手》就是这么一张专辑。

在很久很久以前，大人们总是教育我，香港是一个文化的沙漠；在很久很久以后，香港却用粤语歌、TVB剧集、武侠小说和电影教育了我，娱乐、市井本也是文化的一种，文化就是流动的活体，流行文化——它也是文化！

几十年的岁月变幻，香港或许已经不再是八十年代内地人心目中的香港，但曾经被视为流行文化的那些闲书、闲剧、闲歌，却真的慢慢成为了文化，甚至在旅游时，有了名胜古迹那样的骚客签到功能。而林林总总间，也有一些特别突出的作品，甚至开始成了香港的IP，比如“卫斯里”、比如“古惑仔”、比如“无间道”，也比如“风云”。

《风云》是一部漫画，《风云》也是一部电影，《风云》还是一部连续剧，而从2017年开始，《风云》这个大IP，又多了一个新成员，即由著名经理人陈淑芬女士和原著作者马荣成共同出品的创意音乐剧《风云》。

说起音乐剧，必提百老汇。《歌剧魅影》、《猫》、《悲惨世界》、《妈妈咪呀》等等经典剧作，即使是一个不关注音乐剧的人，都一定会听过其中经典的唱段。动听的旋律、动人的剧情、贴近的演唱、立体的舞台，音乐剧俨然已经成了西方艺术世界里，最能体现出雅俗共赏性的音乐文化。

而在华语音乐圈中，虽然音乐剧这个标签近几年常有耳闻，尤其是一些歌手因为想要提升自己的作品层次，也常常会在编曲制作的过程中，引入音乐剧的编曲理念、甚至演唱方式，从而形成一种脱离普通流行歌曲的艺术感。但这种残篇断简，终究没有音乐剧的剧之魂，毕竟但凡是剧、就有剧情，它是一个宏大的整体，寥寥几句唱词，又怎能称为音乐剧？

说到中文的音乐剧，有且只有一部能让人追忆至今，那就是由张学友领衔主演的《雪狼湖》。荣耀的说，《雪狼湖》是中文音乐剧里程碑的一个巅峰；遗憾的说，《雪狼湖》的所有成绩，也是在没有对手的情况下“获取”的，因为很多年以来，《雪狼湖》既是中文音乐剧广义领域的No.1，也是Only One。

《雪狼湖》的出品人，恰恰就是陈淑芬女士，那个把张国荣、梅艳芳、张学友等歌手带到巨星位置的著名经理人。而通过《雪狼湖》的打造，陈太其实也把曾经被视为“快餐文化”的香港流行音乐产业，带上了一个艺术化的高度。直至今日，无人超越。

能够超越陈太的，或者也只有陈太本人。没有对手，就再造一个新的对手，《雪狼湖》的新对手，就是5D版的音乐剧《风云》。

说到《风云》，香港人或者对马荣成的漫画原著，相当之熟悉。但对于中国内地的观众来讲，电影版的《风云雄霸天下》才是这个IP的支点。郑伊健饰演的聂风，郭富城饰演的步惊云，几乎成为这部作品标志性的人设印象。

而这次音乐剧版的《风云》，则在经典的印象面前，因为表现形式、表现空间，以及演出阵容的绝然不同，瞬间推翻了我对《风云雄霸天下》“顽固”的印象，至少也行成彼此独立的平行走向，这从经典再造的角度来讲，就是相当成功的。

此次有幸能够在春蚕体育馆，现场“临幸”《风云》这部音乐剧，最大的感触，还是来自于舞台的冲击力。以3D作为舞台背景，不但解决了传统音乐剧道具与场景转换的断续问题，而且因为其立体的效果运用，再加上与舞台互补的纵深性，颇有一种欣赏AR的感官效果。尤其是3D背景中的画面，还是来自于以往电影的熟悉场景，就更有种穿越时空的互动与连贯效果。这种新与旧，当下与记忆的缠绕，是非常能够触发内心的。

而随着音乐剧情的延伸，当晚的观众还在春蚕体育馆现场，闻到了花香，前排区域的观众，甚至在郑嘉颖（步惊云）、谢天华（聂风）水池对决一幕中，感受到了“实体”的水花四溅，与剧中人一起湿身。台上台下、融为一体；原为看客、竟也入戏。

通常来讲，一部影像类的作品，总是有主角、有配角，也总会有让人印象深刻的主角和配角。“遗憾”的是，《风云》的音乐剧版，却有些不走寻常路，八位主演竟然是八仙过海、各显神通，每个人都能在记忆里留下光芒。

郑嘉颖与谢天华的帅气原本就不用说，作为主角的他们，于整台音乐剧里的表演，不仅有型更有韵。郑嘉颖在《蝴蝶吻》里的深情，真是催人泪下。谢天华在《拜剑山庄》里的英气，亦能大杀四方。尤其是单手吊威亚于空中取刀的动作，更是让人赏心悦目，成为全场的爆点之一。

除此之外，习惯了演员身份的吕良伟，不仅因为金色盔甲让自己英气逼人，他的中音区声线，也真应了“雄霸”的气势，让人觉得他简直是被演戏耽误的歌手。而谭耀文在《欲望背后》里的深沉演绎，亦体现出陈少琪词作中深度。作为视帝的黎耀祥，虽然饰演戏份不多的“泥菩萨”一角，但其压低声线的处理，同样很好传递出这个角色的神秘感。至于郑丹瑞出演的“文丑丑”，原本以为这是剧中最不重要的角色，但旦哥却以生动的肢体、幽默的台词，以及恰到好处的“浮夸”表演，抢了不少的主角戏份，以至于在深圳站的庆功宴上，郑丹瑞甚至“扬言”自己其实是这部音乐剧的主演。

而在女演员的选角上，更是体现出陈淑芬的魄力，以及她在新人挖掘上的眼光。虽然，饰演孔慈的阎奕格，以及饰演楚楚的胡琳，都算不上刚出道的新人，但在更广义的角度来讲，她们确实还没有拥有很好的知名度。但无论是阎奕格还是胡琳，她们的表现在《风云》这部剧里，却都让人眼前一亮，两位女歌手扎实的唱功，很好地为这部男性主导的江湖戏，润之以柔情、注之以妙音，也真心希望通过《风云》音乐剧这样一个好平台，能让她们的歌声早日传遍四方。

我作为一个深受香港流行文化影响，至今仍在关注港乐，追看TVB剧集，并且通过香港的影、视、歌学会粤语的内地人，对于《风云》这部音乐剧，恐怕还有更深的体会。郑丹瑞、吕良伟、谭耀文、谢天华、黎耀祥、郑嘉颖，几代香港男演员，几乎涵盖了香港影视的所有辉煌年代。香港的娱乐文化产业，固然现在不及当年那么强势，甚至给人一种感觉，他们的大多数精英，只能依附于国内更大的娱乐版图才能生存。但实际上《风云》这一部音乐剧，却依然体现出香港流行文化的底蕴与活力兼具。

底蕴说的是词人陈少琪对于整部剧的文学勾勒，以及音乐总监鲍比达用东西古今的方式，表现出各种情愫的韵律，当然也包括所有演员扎实到位的演技。而活力是指相对国内的大投入之下，这次《风云》的创意音乐剧，除了炫目的5D技术之外，还将科技与创意更好的揉捏在一起，让音乐剧不仅是黑科技的展示会，而是有着更多的创意、创新融为一体。

随着深圳站的完结，《风云》这部音乐剧的粤语版巡演也划上了句号。和当年的《雪狼湖》一样，未来的《风云》也将会以国语的形式继续北上，那时候可能是不同的演员、不同的唱段，但不变的恐怕还是5D带来的视听风云。

三年前，在参加一次音乐评审奖时，听高晓松讲起过他对《山丘》这首歌曲的喜欢，并透露出自己写了一首名叫《越过山丘》的致敬歌。这句话，后来渐渐忘了；这歌名，却还藏在记忆深处，以至于三年后再听到这首歌时，竟然有一种邂逅老朋友的亲切。

三年多前，《山丘》火的一塌胡涂。印象中在近十年的华语乐坛，还没有一首大红曲，与时尚潮流无关、与歌手人气无关、与曲风国际无关，反倒是有着“老气横秋”的主题，以及真正人文情怀的积淀。

李宗盛曾经在面对媒体时，抛出过“饲养”论，大致意思是听众这个群体，喂什么饲料长什么样子，其中满是对现代音乐工业体系复制的无奈，当然也流露出他们那时代音乐人的一种使命感和责任感。而《山丘》的流行，说明歌迷不是听不来好的音乐，而是现在这个时代，缺少好的音乐人去写好的音乐。

的确，流行音乐作为现代娱乐工业的一部分，它有其娱乐属性的一面。但作为一种有文字的旋律，流行音乐同样可以是一种现代诗歌，有人文有传唱，而这也才是流行音乐更高级的状态。它不仅用来一时的消费与传唱，更有着更广义的传播与分享，以及启迪、共鸣、自省与回味。

李宗盛和高晓松虽然来自不同的地区，有着不同的年龄，但隔着一个时代出道的两位音乐人，却在人文民谣这种形式上，最终胜利会师。前者是台湾现代民歌运动的旗手之一，并且在小人物主题和女性情歌主题两方面，奠定了一个行业的基础。后者曾经是中国内地校园民谣的当家小生，虽然把唱歌的任务交给了老狼，但《同桌的你》、《睡在你上铺的兄弟》、《冬季校园》、《流浪歌手的情人》等作品，在创作上却堪称是校园民谣史上教科书级的作品。尽管高晓松在后来成为复合型跨界人才，对于音乐创作并不是倾力而为，但即使如此，其寥寥数首作品如《谭某某》、《如果有来生》和《风起来的时光》等，依然证明他是国内顶尖的词人。

两个隔着一个时代的音乐人，最终因为高晓松对李宗盛致敬的《越过山丘》，从而产生了联系。这样的音乐对话，也让人想起历史上那些文人墨客，以诗倾情的种种佳话。这是“海内存知己，天涯若比邻”，这也是“河桥不相送，江树远含情”，这还是“悠悠洛阳道，此会是何年”，以及“劝君更进一杯酒，西出阳关无故人”或“当路谁相假，知音世所稀”。

知音确实世所稀，所以也才有了伯牙绝弦的传奇。但知音一旦相遇，便会诞生华彩篇章。这次高晓松的新作《越过山丘》，明显是被李宗盛刺激到了，也才让一个已经频繁亮相于互联网大业和网综节目里的老熟人，可以摒弃那些俗事的纷扰，写出有种不近凡尘的声响。

如果说李宗盛的《山丘》是剖心式的心路回顾，那么高晓松的《越过山丘》，就是那种文人式的轻舟肆意，前者的重和后者的轻，既是文人的两种心境，也是此前两人创作风格的不同之处。李宗盛有情与世事的包袱，而高晓松却往往有着轻舟已过万重山的轻盈，两种状态、各有其妙。

作为文人间的对话，高晓松也在《越过山丘》里玩了一些对话的游戏。《越过山丘》这个歌名，本来就是对《山丘》这首歌赤裸裸的致敬，而通过对李宗盛原作里“越过山丘”的破题，高晓松也用自己的方式，呈现出两种不同的“越过”方式。

除此之外，《越过山丘》这首作品，还很巧妙的采样了一首李宗盛经典作品《我是真的爱你》，这是当年李宗盛写给张信哲的歌曲，后来也在《不舍》里翻唱过，算得上是他情歌的代表作之一。以这首歌作为采样穿插进《越过山丘》，并且成为副歌旋律的支点，不仅很好起到了致敬的作用，而且其天衣无缝的融合，在“就让我随你去，让我随你去”的旋律中，更有一种穿越时空的美感。

当然，《越过山丘》这首歌曲更不能忽略演唱者杨宗纬。作为李宗盛最为欣赏的年轻歌手，杨宗纬不仅和李宗盛在《原色》专辑里，有过彼此融为一体的合作，《底细》、《怀珠》等作品，更像一个唱将的李宗盛和人文的杨宗纬彼此附体，让彼此的优点最大化，让完美变的无可挑剔。

这一次杨宗纬的演绎，也用人声这个“作案工具”，非常好地体现出19岁少年的纯情，以及60岁苍凉两者之间的时空跨度。除了李宗盛式的念唱之外，副歌部分半音的偏差处理，更有着跳脱一首歌曲传统架构的自由，与真实。而对于一个唱将来讲，能把一首工整的歌曲，处理的有皱褶、有“不完美”，但听起来却非常完美，也真的是来到了一个更高的境界了。

有听有看似乎已经成了这个时代的标配，而原本来讲，像《越过山丘》这样的人文作品，只需要听就够了，MV有时候反而会成为累赘和多余，但《越过山丘》的MV，却颠覆了人们的传统认知。

以沙画作为画面呈现的形式，既有着如同剪纸、皮影一样的传统美感，而且沙画里沙子的质感，恰恰也是应了沙丘之沙，以及时间沙漏之沙的题。正因为如此，远山、海浪、单车和少女等一系列场景，在单色调的沙画呈现之下，就有了一种如同素描和黑胶唱片般的回忆质感。而三位音乐人：唱歌的杨宗纬、写歌的高晓松，以及被致敬的李宗盛，最终以沙画的形式出现，相比4K高清镜头的真实曝光，这样的相聚反而特别有人文的况味，比起那些大片式MV，倒像是一个和歌曲主体、单曲封面融合一体的艺术品。

“随着熙熙攘攘的人流，向着开满鲜花的山丘，挥挥衣袖”，欲说还休、欲说还休，但是那人文的回响，却永不休……

中国摇滚已经进入而立之年，各种纪念纷至沓来，而作为同龄人的“黑豹”，是其中的中坚，也是一个例外的存在。七张专辑作品的积累，华人世界最高销量摇滚乐队的纪录，以及30年同步见证中国摇滚的动力，都让他们在30周年纪念的日子，依然可以用演唱会的方式，为自己送上最好的礼物。

中国摇滚30年有太多历史、传奇与故事，30年的“黑豹”乐队何尝不是？毫不夸张的说，任何一本关于中国摇滚的著述、影像，如果没有提及“黑豹”乐队的存在，那它一定是一本假书、一部假片子。

没有“黑豹”乐队，或许不妨碍中国摇滚一路走过30年。但有了“黑豹”乐队，却让早期的中国摇滚史，有了一个最富亲和力与人情味的存在。诚然，就像他们落选“1990北京现代音乐节”的原因那样，“黑豹”的作品并不那么苦大仇深、得道升天，如同时期许多北京摇滚乐队一样，非得把自己逼的不食人间烟火。

但恰恰，群众的眼睛又是雪亮的，“黑豹”乐队早期的作品，好就好在他们在感性与激情两端手起刀落的感情利落。爱就爱的痛痛快快、恨就恨的荡气回肠，在颓废中释放出积极的力量，于绝望中绽放出希望的光芒，再辅之以明快的节奏、流畅的旋律，尤其是首张专辑录制时主唱窦唯高亢且极具穿透力的声线，以及一直被忽略的键盘手峦树编写的美妙和声，“黑豹”就这么在一众乐队中脱颖而出，成为首支有歌曲进入香港流行音乐排行榜的中国内地乐队，也成为首支销量破百万的中国摇滚乐队，更成为拥有最多传唱金曲的摇滚乐队。

“黑豹”乐队的成功，对于中国摇滚的推动也是功不可没。至少他们那种音乐性极强的摇滚乐，指引了无数大城、小镇青年，从此走上了摇滚乐之路，至今许多出现在选秀节目的摇滚歌手，都毫不讳言“黑豹”乐队对他们的影响。

更重要的是，在中国摇滚早期唯精神的习气中，“黑豹”也用自己的方式起到了一定程度的认知纠错功能，让更多人知道摇滚乐是用来听、用来感受，而不是自绝于人民的阳春白雪。摇滚乐可以像“黑豹”那样有着Metal的光泽、Hard Rock的硬朗，以及Bon Jovi一样的沸腾效果。摇滚乐可以是一种精神，它也是一道光，由最优秀的乐手、歌手和作品，指引一个时代的年轻人前进与共鸣。从这一点来讲，香港有Beyond、北京则有“黑豹”。

即使在以非主流为美的中国摇滚圈，“黑豹”也一直是非主流的存在。当年的摇滚乐队都谈精神，“黑豹”却能做到用流行歌曲的韵律，将摇滚种子传播到更多地方。而当之前谈精神的摇滚乐队，如今又纷纷谈起情怀的时候，“黑豹”乐队却又树立起老乐队的新标杆，一是不断的创作和演出，二是用商业的规则约束自我，从而真正形成可持续性的音乐品牌。

成立30年、发行7张专辑，“黑豹”乐队即使算不上高产，却同样有着极强的创作持续度。不用忙着翻纪录也可以知道，在中国摇滚乐不长的历史上，其实“黑豹”乐队已经创造了成立时间最久、发行专辑最多的乐队纪录。

这也让“黑豹”乐队真正体现出了欧美摇滚乐队那样的摇滚精神。所谓的摇滚人生，不是你有一张牛X的专辑，然后吃一辈子老本，吹一辈子牛皮，最后谈半辈子情怀。所谓的摇滚人生，就是你一直在写、在唱，在出专辑和在巡演的路上，即使有作品的起伏，但那些摇滚的音符，却一直都在舞台中央出现。摇滚乐不是早年奋斗、晚年离休，摇滚乐就是一个不断循环的过程，Do It既是过程也是结果。

在很多国人的眼里，或许也会以宿命的角度，来解读“黑豹”乐队成立三十周年却依然活跃在一线舞台的秘密。其实哪里有什么宿命，所谓宿命都来自于人为。从一支摇滚乐队的属性来讲，“黑豹”是最接近摇滚乐正道的，即既把摇滚当事业，更把摇滚当职业。该谈艺术的舞台就倾情的表演，该谈规则的时候就用商业来限制。

这就让“黑豹”乐队在经历十任主唱之后，依然屹立于舞台，并且因为有新成员的加入，可以保证音乐作品上的创新与活力，比如现任主唱张淇，就给“黑豹”带来一种更年轻的能量，能够以唱功与颜值，吸引更多年轻歌迷加入老摇滚的队伍。从这种持续性上来讲，“黑豹”的确和The Rolling Stones、AC/DC、Bon Jovi等乐队殊途同归，他们谈艺术，他们更有责任感。只是在国内摇滚的大环境里，像“黑豹”这样的乐队不是少之又少，而是绝无仅有，解决了这种自由与限制的关系，中国摇滚才有聊情怀与精神的资格。

9月2日，“黑豹”将再度踏上北京工体的舞台，展开“本色·黑豹30周年演唱会”的首场巡演。《本色》，是“黑豹”最新一张专辑的名字，也是对他们音乐最好的形容，更是他们对待摇滚乐的一种态度。摇滚乐并不复杂，它就是在舞台上的铿锵有力、大杀四方，它就是能让人挥洒青春、不忘初心，让任何年龄的人，都会因为摇滚乐的节奏与能量起舞、律动，激活人类“出厂”时的本色状态。

二十几年前，“黑豹”乐队唱着“人潮人海中，有你有我，相遇相识相互琢磨”，二十几年后，他们又唱着“完善每一个想法，笑到最后是赢家”，不一样的酣畅淋漓、同样的意气风发，而不变的则是他们的摇滚本色。

摇滚是什么，有人说摇滚就是一种精神。其实，摇滚乐就是“黑豹”这次演唱会的主题——本色。

对于吴亦凡担任《中国有嘻哈》的明星制作人，很多人是不服气的。因为在大多数人眼里，吴亦凡的特长仅仅是大长腿、长的帅，明明可以靠脸吃饭的明星，当然……还是要靠脸吃饭的。

吴亦凡在《中国有嘻哈》亮相后，更多人开始不服气了。一句“你有Freestyle吗”，引来无数人不怀好意的窃笑，它被做成公众号，也被做成表情包，甚至成为《中国有嘻哈》节目流量入口。很多人因此坚信，节目组请吴亦凡，就是来刷脸的。

直到节目开始后，很多人发现不对了。吴亦凡不仅是节目的明星担当、流量担当，他更是明星制作人里的专业担当。甚至因为对当代嘻哈音乐从创作到制作，从录音到表演各个环节的熟稔程度，吴亦凡还成为唯一一名能和许多Rapper聊的起来、句句扎心的制作人。这个时候想想当初用Freestyle来落井下石的人，我仿佛听到打脸的声音。

和许多人因为《中国有嘻哈》，才知道Freestyle不同，吴亦凡可是早在《中国有嘻哈》之前，就已经是个大写的嘻哈，并且有各种的花式Freestyle。你没有早发现，你说问题出在哪一边？

光说不练假把式，哪怕吴亦凡在《中国有嘻哈》说的再专业，还是会有Rapper不服气的。对一个嘻哈歌手来讲，作品就是最好的武器，用来回击那些Diss自己的人。

这次的个人先导EP《6》，共收录了吴亦凡三首个人创作曲，在大家还在讨论中国有没有嘻哈的时候，吴亦凡直接用这张EP专辑，将这个话题变成了伪命题。至少就《6》这张EP专辑来讲，它不仅是一张嘻哈专辑，也是一张优秀的嘻哈专辑，还是提前布局未来的嘻哈专辑。

三首作品中，《6》是吴亦凡为《中国有嘻哈》创作的一首歌曲，也是他在公演环节表演的曲目。如果把《6》看成是中国嘻哈的一个标准，那只能遗憾的说，这个小目标定的有些高。即使对比《中国有嘻哈》节目里一些比较优秀的作品，《6》在制作上都是简直领先的简直有点不像话。

《6》是一首典型的Trap曲风的嘻哈作品。倍速的Hi-Hats，加了音效的低声部共鸣人声，大量的808底鼓共震音，以及多层次的合成器融合出近似弦乐的效果，都证明这是一首有着国际一流制作水准的作品。要知道中国嘻哈与美国嘻哈的差距，并不是永远无法量化的语言差异，而就是缺少吴亦凡这种技术层面的国际制作思维和逻辑。

除此之外，《6》在节奏的控制上也特别出色，大量双押、跳押的运用，让整首歌显得弹性和张力十足。而在中英文唱词快速的运转、交替、衔接中，吴亦凡的Break也总是恰到好处，这也让整首作品在收放之间，有了一个极高的平衡。用词语来形容这种音乐节奏变化上的体验，那就是——欲仙欲死。

《Lullaby》是吴亦凡与挚友Kevin Shin共同创作，也是共同勉励的作品。这首作品的主题，其实就是嘻哈音乐永恒的主题之一——兄弟情，无论兄弟这个词，在不同的地域、不同的文化下，有着各种的表现和解读，但它不变的就是那种风雨同舟、携手前行的励志与温情。《Lullaby》整首作品有着九十年代的复古气质，Melodic Rap的曲风，融旋律与Rap于一体，既有对未来的坚定，也有对情谊的温暖，两位Rapper交替、互动的演唱，也组成了一幅动态且动情的画面。

作为《极限特工3》的插曲和全球推广曲，一年前我就墙裂推荐过《Juice》这首作品，在很多人甚至都不知道Freestyle的时候。《Juice》这首作品，它在音乐上既是对上世纪八十年代Club音乐的一个继承，还在制作上还融入了TR-808这样的复古音色，以及近年来大热的Trap元素。

与此同时，《Juice》在音乐的大格局和制作思维上，又是当下的、时尚的、潮流的，以及现代的。尤其是制作人Rick Rubin音乐尾部的处理，更像是以一种音色和节奏递进的方式，展现出一部嘻哈音乐和Trap音乐的变迁史，让整首作品有了一种继承经典、超越流行的意义。

其实不仅仅只是演唱和制作层面，在吴亦凡的作品里，你同样还可以听到对嘻哈音乐文化的传承。《Juice》这首作品的歌名，其实不是果汁的意思，这是2 Pac在《哈雷兄弟》这部电影里的“发明”，后来也成了嘻哈圈里的行话，说的含糊一点，指的就是一种嘻哈精神，那种江湖儿女惺惺相惜的嘻哈精神。这样一样，吴亦凡的《Juice》，就成了对2 Pac的致敬，以及他所代表的嘻哈精神的一种呼应，这个才是真正国际化音乐的核心圈，有了这层关系，歌手才能真正成为国际化的一员。

同样的，之前提到的《Lullaby》，它所呈现的，同样也是一种热血、燃魂的兄弟之情，以及由此延伸的对人生、对未来、对理想的积极与正能量。而EP同名主题曲《6》，除了Diss了一下那些只知道嘲讽和眼红的人之外，最后主题的落脚处，依然是“与其自怨自艾、坐以待毙，倒不如背水一战、筑梦踏实”。这也是一种非常健康的Diss，泼妇骂街你若回骂，你也和泼妇归在一个档次，倒不如强大自我，用才华与努力获得成就，才是最高级的Diss，也是让对手无法反击的Diss。

在《中国有嘻哈》之前，中国当然已经有很多嘻哈，尤其是Underground Hip-Hop，但确实没有像美国那样，有着一个真正可以普及，让大众接受的嘻哈音乐大环境。而吴亦凡这张EP专辑《6》，也许就是华语嘻哈一个划时代的分水岭，其国际化的制作逻辑，一流且扎实的Rap功底，再加上以音乐作为载体，对于梦想、友情等价值观正能推动的意义，都让吴亦凡可以成为中国嘻哈成为未来主流的形象担当。

友情提示，对于那些人云亦云的Freestyle迷，听《6》这张EP专辑前，还是请系好你身边可以拿来一用的安全带，因为6到飞起之后……一切皆有可能。

一首由格莱美获奖大师Richard Furch操刀混音的《光芒》，让李炜又一次绽放了光芒。极佳的录音层次，极强的听觉震撼，极动听的流畅旋律，以及极正能量的澎湃张力，也让这首歌曲在推出后，获得了极高的口碑，并且顺利成为新浪微博“亚洲新歌榜”的周冠军。这，当然是可喜可贺的。

只有一首《光芒》当然不过瘾，好事一旦开场，你不能给歌迷有个后续的交待，那岂不是“耍流氓”？好在第二波主打《高攀》，很快就来了。

《高攀》的创作者李煊乐，其实也是李炜的老搭档，在上张专辑《脱胎换骨》中，李煊乐就为李炜创作过两首非常高质量的小品：《月弯弯》和《时差恋人》。而袁娅维传唱度最高的作品《旅行中忘记》，亦是来自于是李煊乐之手。

细腻，也是李煊乐创作的最大的特点。细腻，也包括了用词的细腻、情感的细腻，以及旋律流动时的细腻，而《高攀》同样是这样一首细腻的情歌。它不追求文字的眼球效应，也不强调旋律的突破与创新，《高攀》其实就是以一种最正常的情歌温度，去抒写出一段忧伤却优美的动听韵律。

其实，这何尝不应该是流行音乐的常态，在看似平凡之中提炼并升华音乐的质感，让情绪随旋律而找到出口，而不是用什么风格与实验，去定义、去结构所谓的个性。

《高攀》也是一首标准的暗恋系情歌，它最重要的关键词，一个是卑微，一个是落差。因为觉得暗恋对象完美，所以感觉到自己的卑微，并因此形成一种情感与情绪的落差，这种感觉，凡是暗恋的人都能心领神会，也能感同身受。关于其中的细节，说多了都是泪，而这些泪，如今都被李煊乐写进了歌里，并被李炜唱了出来。

《高攀》的题材或者不够“耸人听闻”，它只是一首如涓涓细流般的情歌，但这首歌曲却拥有一种高大上的品质感，这很大程度上也是得益于著名音乐人金大洲和胡静的编曲，尤其是在弦乐衬托上面的巧思。

流行歌曲运用弦乐，其实已经不算什么新鲜事了，但其实现在很多歌曲的弦乐运用，更像是为古典而古典，为高雅而高雅，以至于有些弦乐与歌曲的关系，说到底就是真没什么关系，就像水和油永远融不到一起。

但在《高攀》这首歌曲里，你就会感觉弦乐是对李炜情绪的一种补充，也是对整首歌曲艺术感的一种升华。于细节处有弦乐，于华彩处弦乐，而弦乐也在细腻和升华两个层面，赋予作品以直接的推动力。主歌时钢琴琴键延时般的律动，以及大提琴的呜咽声，非常好地衬托出李炜卑微的情绪，而副歌时弦乐团与鼓点的配合，前者也是很好起到了飞扬情绪、释放情感的效果。那种古典的包裹，一定程度上也控制了李炜有可能的失控，从而让戏剧化的张力，也能有一种克制和节制的效果。

李炜在这首歌的演唱处理上，真的是非常好体现出落差的空间感。主歌部分的低音下潜，似呢喃，也似自言自语，仿佛独心独白般，将暗恋者的卑微心理，以人声的方式表现得淋漓尽致。而副歌部分的升调，也是恰到好处地将情绪升华，尤其是即使是情感最激烈的部分，李炜在处理上依然是不卑不亢，就像是用深爱战胜了卑微，也体现出如今的李炜，在音乐处理上层次运用的合理，情感与技巧结合上的平衡，以及越来越好的音乐控制力。再加上李炜自己参与编写与演唱的和声，也让整首作品在人声部分，就像是一个艺术品，通透且完美。

与《光芒》将Baby由感情世界的称呼，延伸到一个更宽广的范畴一样，《高攀》虽然是一首情歌，但李玮同样将感情世界里的回报，引申到与城市、与世界的关联，情感世界的卑微者，和城市人流的过客，因此在这首歌曲里合为一个身影，这也让一首小情歌，有了一种意味深长的回响，这其实也从一个侧面，呼应了《城市之光》这张新专辑的主题。

听过了《光芒》，享受了《高攀》，现在的李炜，只欠歌迷一个交待，那就是第二张专辑《城市之光》，到底什么时候发行？

在线等，挺急的。

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第二季《中国新歌声》进入到第三期，这一期的节目以摇滚开场，用摇滚“清场”，中间还有一位名叫王乐汀的学员，在一首孙燕姿的作品《Leave Me Alone》里，洒了一把金属嗓。所以这一期不聊点摇滚乐的话题，似乎有点对不起摇滚精神。

这期节目一头一尾的两首摇滚歌曲，都来自于中国摇滚早期的经典。韩帅翻唱的“轮回”乐队作品《烽火扬州路》，最早收录在1993年发行的《摇滚北京1》合辑里，这也是中国早期摇滚历史上除《中国火》系列之外，另一个重要的摇滚合辑。而当时“轮回”乐队的主唱，还是那个会吹笙的吴桐，这个吴桐后来改名成吴彤，并且加入了马友友的“丝绸之路”乐团，今年“格莱美”拿到“最佳世界音乐专辑奖”的获奖人员里，就有他。

最后一首歌曲是冀行翻唱郑钧的经典作品《极乐世界》，这首歌里有一句歌词写的相当棒：“我总有一种想为你而死的冲动，因为我不知如何才能把你打动，我们活着也许只是相互温暖，想尽一切办法只为逃避孤单”，这就是典型的老一辈摇滚艺术家的摇滚情歌，带点轻自虐、有点乌托邦。如果你没有听到这首歌曲，你一定有个看电影提前退场的坏习惯，这个习惯会让你错过许多好戏的。

这个好戏就包括学员冀行在解释自己乐队为何只剩两条好汉时，所抛出的一个观点，“女朋友妨碍大家做乐队了”，这个观点看似奇特，实际上却并不是无稽之谈，除了冀行提到的乐队好友离开原因，是因为要和女朋友谈恋爱，甚至结婚生子之外，历史上还真的有因为女性的介入，导致乐队解散或者重组的重大历史事件。

小野洋子背了一辈子的锅

说到一个女人干掉一支摇滚乐队，很多人首先就会想起小野洋子（不知道早期为什么一直被翻译成大野洋子），而陈奕迅在第三期《中国新歌声》的节目里，其实也顺着这个话题提到这个事情，只不过没有继续深入而已。

讲道理的说，小野洋子的介入，其实只是The Beatles解散的一个诱因，如果成员的关系够铁、兄弟意志够坚，尤其是对未来的目标无比一致，那一个女人想要把这支乐队给搞散了，除非这个女人是带着上面的任务而来的。

其实，早在小野洋子与John Lennon相识之前，The Beatles的成员彼此之间，早就有点人心涣散、队伍不好带的意思。这主要的原因，还是因为乐队中两位大佬Paul McCartney和John Lennon，关于乐队领导权的争夺。

这既可以解释为男人的帝王心，其实从音乐的角度来讲，也是因为Paul McCartney与John Lennon不同的审美品味所决定的。前者其实更偏向于纯美的流行音乐，喜欢创作那些雅俗共赏的小调，而后者越到后期，则越喜欢在音乐中加入一些政治立场，甚至许多实验的元素，这两种不同的美学碰撞，显然就是水和油遇到一块，是很难调和的。

小野洋子的介入，则加巨了这种矛盾。小野洋子原本也是一个控制欲比较强的女人，John Lennon发行的个人专辑中，超过半数的封面上，都有小野洋子的身影，而John Lennon也在她的影响下，向一些先锋、实验艺术越走越远。两人在六十年代末合作的“Unfinished Music”两张专辑，就是那种比听不懂还听不懂的专辑。

两人的如胶似漆，在当时也已经达到了旁若无人的高度。而当John Lennon把小野洋子带入乐队的工作室时，矛盾终于被彻底点燃了。因为在此前，The Beatles的排练和录音，一直没有乐队成员的女友、家属参与，小野洋子的出现，实际上是进入一个新的禁区，破坏了道上的规矩。而有一次，小野洋子还因为吃了吉他手George Harrison的饼干，被后者大骂贱人。作为一个超级乐队的成员，Harrison当然不是在乎几块饼干的人，他的发火其实也是当时乐队分崩离析的前奏，饼干只是怨恨的导火索而已。

实际上，就算是当时与John Lennon及小野洋子嫌隙最大的Paul McCartney，在50年后再次接受英国记者David Frost采访时，也说过“不是小野洋子让乐队解散，而是乐队本身就不齐心”的话，他甚至还在这次采访中，表扬了小野洋子对John Lennon灌输的前卫艺术思想，并且说没有小野洋子，就没有《Imagine》那张伟大的专辑。

小野洋子，终于也算是洗清了冤清，即使多数人还是喜欢继续用小野洋子整垮The Beatles乐队这样的标题，就像历史上每次王朝的更替，总要找几个女人垫背，并美其名曰红颜祸水一样。

窦唯离开“黑豹”乐队，也是因为一个女人

另一个例子当然是王菲与“黑豹”乐队。

作为一个北京大妞，王菲虽然在高中毕业后就随父亲移居香港，但她不仅有一颗歌手心，更是有一颗摇滚心，即使自己已经以歌手的身份，进入香港主流乐坛发展，也一直关心着祖国大陆的摇滚乐发展，不仅经常回家看看摇滚演出，还与当时“黑豹”乐队的键盘手峦树（真名为栾述兵），确定了情侣关系。

不过，窦唯的出现，却让王菲移情别恋。江湖传闻，“黑豹”乐队有一次演出，其他人都躺在床上，让窦唯出去买吃的，王菲也跟着一起出去，当晚两人都没有回来。而回来后的窦唯，也没有了“黑豹”乐队首张专辑封面（1991年香港版），以及MV里出现的那头长发，而是一个清爽短发的新造型，这个造型也一直延续到他后来组建“做梦”乐队，并且发行首张专辑《黑梦》及第二张专辑《艳阳天》时。

没有了长发的窦唯，也很快离开了乐队。在当时，两方面的官方解读虽然不一样，但大致上是一个意思，“黑豹”乐队的解释是窦唯与乐队音乐理念不同，窦唯的解释则是自己对音乐有了新想法。但在2005参加凤凰卫视《鲁豫有约》这个节目时，“黑豹”乐队鼓手赵明义却顺着主持人鲁豫的假设，间接承认了窦唯当年离开“黑豹”乐队，就是因为他抢了峦树的女友王菲。这在特别讲哥们义气的中国北方，简直是大逆不道的，也让彼此不管音乐理念有没有分歧，至少在为人处事这方面，已经没办法聊到一块儿了。

在窦唯离开“黑豹”乐队后，在试了几位主唱之后，最终还是由键盘手峦树接过了主唱的担子，并且录制了《光芒之神》这张专辑，这张专辑中有一首叫做《美丽的天堂没有悲伤》的歌，就是峦树写给前女友王菲的。

第三期节目中的三首摇滚歌曲

当然男女关系，永远只是摇滚乐的周边，是一些仅供娱乐的碎料，就像体育圈、商业圈同样存在这样的趣事一样。在摇滚乐的舞台，最终考量人的，还是硬实力，就像窦唯哪怕抢了别人的女友，但对于大多数人来讲，喜欢他依然喜欢的还是他写过并唱过的那些歌。

第二季《中国新歌声》的第一期节目中，一共出现三位摇滚类型的学员，在如今电子、嘻哈和民谣形势一片大好的时代，唱摇滚其实已经不是一件多么酷的事情，这个时代还能唱摇滚的，通常都是对自己的音乐实力，有自信的歌手。

先来说说韩帅的《烽火扬州路》。《烽火扬州路》这首作品，在九十年代的中国摇滚乐作品里，可以说是演唱难度系数最高的几首，所以当时吴彤一出道的时候，还曾经有过谁是中国摇滚第一男主唱之争，另一个入围的人选，当然是窦唯。

也正是因为如此，翻唱这首歌是很难的，你唱的像了吧，说你还是模仿，你唱的不像了吧，又说你没有原唱有味道。不过，不说别说，单就韩帅对于这首歌曲的完全度来讲，也是一种对自我挑战的成功，因为这首歌曲的翻唱，不是通过一些巧劲，一些装饰音，甚至降调可以完成的。作为一首硬摇滚作品，这首歌曲必须要有扎实的发声基础，以及在一个很高的音域点上，还要做到每个字的发音不虚，以及一些有层次感的人声纵深。从和吴彤对比的角度来讲，韩帅差的就是声音的肌肉感弱了点，不是很结实，但整体的表现还是很不错的。

王乐汀演唱的《Leave Me Alone》，相对安静的主歌部分，其实真觉得很普通，一些细节的处理，都显得有些粗糙和随意，甚至还有一些节拍上的小问题。但这哥们儿在副歌部分，完全像是变了一个人，Nu-Metal的编曲之下，他的声音极其饱满和具有包裹感，绝对是一个金属乐队主唱的好材料。而且不同于很多东方人种的歌手，在高音区声音虽然上去了，但声线也会单薄那样，王乐汀在高音区域仍然有一种烟熏嗓的颗粒质感，并且在高音区自带低音炮的共振。联想到生活中的他，是一位音乐制作人，只想说他真是一位被音乐制作耽误了的金属乐队主唱。

至于那个差点被乐手的女朋友搞掉乐队的主唱冀行，小伙子的声音还是比较扎实的，而且没有时下年轻人的那种拿腔作调，唱歌老老实实也比较本份。

其实，冀行是一个有潜力的歌手，但在《极乐世界》里，他还没有把自己的潜力释放出来，作为一个野路子的摇滚歌手，冀行现在的问题就是把声音都集中在鼻咽部分，鼻音当然没问题，但如果在发力的时候，还有鼻音去发力，就会感觉音乐的释放感不够彻底，让人有种憋着唱歌的感觉。

所以，小伙子最后选择刘欢导师的战队，其实也是一个很不错的归宿，因为在音乐理论和实践上都有着丰富经验的刘欢老师，完全可以教他更多利用胸腔空鸣音，来把自己的声音变得更扎实和通透。

关于《家III》这张专辑，你觉得有必要先介绍罗大佑这个人吗？

当然，有些过去的事情，倒是可以借助新专辑的发行，来进行一次梳理。《家III》作为罗大佑的第八张个人录音室专辑，也是他在14年后发行的新专辑。而这张专辑对于罗大佑的歌迷来讲，既新也旧。新是因为专辑很新，旧是因为专辑的名字似曾相识，因为在整整33年前，罗大佑曾经发行过一张名为《家》的专辑，而在那张专辑里，则分别有《家I》和《家II》这两首作品，这么一联系，《家III》显然就是33年前那张作品的续作。

同样的续作、不同的续法。罗大佑的这张《家III》，不同于连续剧的那种续法，只是为旧主题添上一些新故事。这张专辑其实让我想起了摇滚传奇David Bowie在2013年发行的专辑《The Next Day》，那张专辑的封面除了一个印有唱片名的大白框之外，完全就采用了他1977年专辑《“Heroes”》的底稿，其中的单曲《Where Are We Now》，更是对36年前经典作品《Heroes》的跨世纪回应。

罗大佑这次的《家III》，与David Bowie的《The Next Day》可以说有着异曲同工之妙，同样的续作，却各自有不同的支点，并且将不变的支点，在置入超过30年的岁月长河后，以近乎实验的方式，呈现出岁月洗礼之后的新色彩。唯一不同的是，David Bowie选择以柏林墙作为支点，而罗大佑却用“家”这个更小的单位作为支点。

其实，家也是中国传统文化中最重要的单位，甚至是许多传统文化的一个支点。所以，罗大佑看似选择的是一个小单位，但同样是一个大世界。更何况，只要听过罗大佑经典作品《家I》和《家II》就会知道，同一个主题同一个字，在他的两首作品里，却是并不相同的方向，前者是美满安康的大家庭，后者是温馨浪漫的小家庭。这其实也就是罗大佑所说的“一个人的一生会有三个家”的其中两个，即“父母给我们的家”，以及“自己终于成立的家”。

只是，在罗大佑创作《家》这张专辑时，“自己终于成立的家”虽然被写了出来，但在现实中却没有完成，而“我们自己出外去追寻的那个家”，也因为“人生积分”不够，所以无法“兑换”一首完美的作品。直到33年后内外因的条件成熟，才最终集齐了三个家，并为“家”这个主题，划上一个圆满的圈圈。

所以，罗大佑的《家III》，注定不会是一张普通流行音乐专辑，你同样不能用旋律是不是口水、编曲是不是国际化、曲风有没有多元化、歌词写的是不是接地气这样的标准来要求这张专辑。传统词曲唱意义上的解读，对于这张专辑并没有太大的意义，《家III》这张专辑主要要听的，还是在音乐上一向大鸣大放的罗大佑，如何在六十耳顺的年龄，写出一张回归“家”这个主题的专辑。毕竟，这在华语乐坛历史上，似乎都没先例，就像罗大佑最早在东南亚地区发行《罗大佑作品选》时，华语乐坛还没有一个歌手，发行过名叫“作品选”的专辑一样。

《家III》从基调上来讲，显然是一张收远大于放的专辑。即使罗大佑曾经是个批判歌手，但在不同的年龄，批判的方式会有不同，人生的倾注角更会有不同。《家III》三头一尾三首歌曲的四个版本，其实都是在以不同的主题和视角回归。

《同学会》在罗大佑整个创作史上，都是一首非常“另类”的作品，以“同学会”这样家长里短的内容做主题，似乎很难和曾经那个习惯大主题的罗大佑印象沾边，在乡村民谣韵律动听的推进中，罗大佑甚至回到了“风花雪月之，哗啦啦啦乎；所谓民歌者，是否如此也”的台湾校园民歌时代。“突然想起起初手牵手那个画面”来的比较突然，却绝对算不上突兀，醉过方知酒浓，爱过方知情重，有时候一个人在过尽千帆后，往往会发现最初的人生，才是最简单最珍贵。

《致观音山》虽然和《鹿港小镇》早已经不是同一种表达方式，但主题其实同样归于一致。如果说《鹿港小镇》在故乡的背影中，写的还是传统与现代的冲突，那么《致观音山》则是回到原点的一次重新抚摸，也是“我们自己出外去追寻的那个家”后的回归，那种犹如游子返乡、白头归家的历程，如果没有一种更包容的审视、更宽容的心境，简直会让人怀疑你是不是回到了一个假的家。

《童话爱情》听起来像情歌，却是罗大佑献给女儿的情歌，在历史上，罗大佑曾经给爱人、情人、山河、岁月，甚至风尘女子都写过情歌，但给女儿写情歌倒还是第一次。“相依为命”和“一言为定”的用词，也让人看到罗大佑最柔软的一面。而专辑同名主打曲《家III》，“采样”了《家I》的段落，最后则在“告解”的转折后，落笔在“一颗不变的心”，“家”的主题也就此变得恒定，罗大佑用尽半生的“实验”，也以确定划上了句号。

当然，一个变得平和的罗大佑，并不代表他从此就成为家庭妇男，只享受他慈父般的平常人生。作为一个几乎把音乐当成事业全部，以及充满责任感的音乐人，即使以家作为创作的支点，罗大佑依然不忘将小家延伸至大家的范畴，这样拉长的时空，也让《家III》注定不是一张完全小家碧玉的专辑，而同样有着大时代起落的印迹。这样的内外呼应、大小互动，反过来也让“家”这个主题变得具体并立体。

《握手》和《没有时间》两首作品，都是切入时代的作品，主题和内容都和互联网时代的人情淡薄及科技化有关。而这一切同样似曾相识，因为这一切的场景，似乎都在《未来的主人翁》这首歌曲里，曾经做过预言。这两首歌曲里的主角，何尝不正是当年罗大佑所说的“你我的人情味却变得越来越薄”的延续，以及“电脑儿童”的成人版吗？想让顾及小家的罗大佑变得“盲聋”？很难！

《你准备要活两次》和专辑唯一一首台语歌《人生爱继续》，都是不同的作品、近似的主题，前者代表挣扎，后者代表新生，整体都趋于励志的方向，只是由罗大佑唱如此励志走向的歌，听到的依然不是简单的正能量，而是高低起伏、波诡云谲的精彩戏。但在这个时代，以罗大佑这样的歌者，来唱出《人生爱继续》和《你准备要活两次》这样主题的作品，不仅更有说服力，也真是能够在一个消极的时代，带来更多积极的能量。

其实，《家III》既是罗大佑的个人专辑，但也是一张开放性的罗大佑专辑。武雄在《人生爱继续》里的执笔，《没有时间》和《家III》里合唱团的加入，都让罗大佑的个人作品，走出个体发声的局限。比如在《家III》这首作品里，就很容易想起曾经的《海上花》等歌曲，罗大佑更像是一个指挥，在指引着音乐与岁月的双重递进。

而虽然已经过了实验各种曲风的创新年纪，但《家III》的音乐制作却同样不单调，甚至配合各种曲风，还有着驾轻就熟后的妥当与贴切。《同学会》里的乡谣，就像《乡路带我回家》那样贴题；《致观音山》里的弦乐加南美节拍，雍容典雅且带有岁月的回响；《人生爱继续》里的台语摇滚，让人重回那个蒸蒸日上的八十年代，也算编曲赋予了作品一种寓意；《北西南风》有着和《亚细亚的孤儿》近似的节拍，音乐编排的相近，其实也是作品的一种呼应；《没有时间》里的音乐剧模式，以极具张力的舞台感，将作品主题以一种魔幻现实主义的方式呈现，戏剧性也增加了理解力。

曾经，在华语乐坛还是一片莺歌燕舞的时代，罗大佑以自己独特的震振聋发聩，带着大家走向一个全新的世界。如今的罗大佑，则在这个激流多变的时代，用自己音乐、思想、阅历的沉淀，回到了人生的根源、音乐的初心，演绎出退一步海阔天空的新传奇。这样的逆流而行，何尝不是一种引领。

罗大佑带着《家III》回到了家，此时的你又在何方？你可以做的是，在QQ音乐、酷狗音乐、酷我音乐在线聆听音乐教父罗大佑延续33年更深沉的领悟，及更细致的音乐，感受罗大佑13年的立新创作。

和大多数人一样，知道李雨这个名字，还是因为去年夏天的《超级女声》，一个站在舞台上时，并不能自带闪光与聚集的平凡女生。而李雨的作品同样也并不现代，在二次元、EDM、摇滚和各种动次打次的节奏声中，甚至显得有些弱势和孤单。即使如此，李雨在去年《超级女声》的舞台，仍然是辨识度最高的一个存在，这一切全是因为她的创作。

别的歌手往往需要通过造型、定位，来为自己创造一个鲜明的人设，而缺少鲜明的人设，也是很多歌手歌途不顺的主要原因，尤其对于新人来讲，人设更为重要。

对于李雨来讲，创作就是她最好的人设，也是去年她在一个让人乱花眼的舞台，都能保持自己独特存在感的根源。当然，创作歌手也有很多种，尤其在这个时代，能写会唱的歌手也有很多，但并不是所有的唱作歌手，真的能够达到唱作的统一。

这话听起来有些不合逻辑，却是一种事实的存在，因为有的歌手虽然明明唱着自己写的歌，但他所写的歌，却又是很多人都能写、都在写的歌，不能将这样的作品，一概而论称之为行货，但至少缺少灵性与自我的创作，的确只能说是工匠，复刻着别人的套路、重复着别人的框架、残存着别人的影子。

但在李雨的作品里，你却能鲜明感受到她创作与演绎的同步，甚至可以说演唱，只是创作最后必要的表达过程。至少在现阶段，李雨的作品还是一个词曲唱的结合体，缺一不可，甚至可以说不适合拿来翻唱。因为李雨的演唱过程，甚至也是对她自我创作的一种旁注与加花，那些情感的倾注，那些东方语言的尾音韵调，同样不可或缺。

或者可以找一个年龄近似的歌手做类比，那就是苏运莹。苏运莹和李雨，可以说是继曾轶可之后，同样在创作上自成一派，有着鲜明个性特点的唱作女歌手。这种个性，不是个性着别人的个性，其实更像是一种与生俱来的天性，学不会、仿不像，张口即来才是你。

离开《超级女声》舞台这个背景，再来听李雨的首张录音室全长专辑《鱼里言吾》，有些歌虽然曾经在节目里听过，却也用了全新的编曲，而著名制作人王于陞及团队，加上李雨个人参与的制作，虽然没有大排场、多元化的豪华班底，但对于她这样小家碧玉的作品，以这样的小团队方式进行打磨，不仅可以让意韵一致，也能保持在音乐方向上的专注。

李雨的创作好在哪里？在许多学院派的老师，或者专业的乐手和音乐人看来，李雨的创作简直不值一提。她的创作，明显是在自然音阶上的吟唱，即使是习惯手抱吉他弹唱，李雨也已经习惯了最为基础的C大调和弦，就算转换调性，也只是借助于变调夹的物理变调，而指法甚至依然还是C大调和弦的那几个指法。这样的演奏模式，很明显也可以推算出李雨的创作模式，一如以前的曾轶可，基本就是最初级的吉他水平，以及菜鸟级的创作手法。

然而，音乐除了要有技术，还需要一种灵气，前者主要靠训练，后者主要靠天赋。借助那些规律性的技巧，固然能够谱写出华彩的乐章，却总是缺少一些灵气和生机。况且音乐技巧的规律是一种客观性的存在，你能用、他也能用，这也正是现在许多作品，为什么听起来雷同的原因，因为用和声套旋律的创作手法，固然有技术含量，是行家所为，有着所有的音乐合理性与和谐性，但这种反向的创作，总不算是真正彻底的创造。

李雨在这张专辑十一首作品里的创作，就是音乐真正顺向的创造。她的创作，与其被贴上个性的标签，不如首先说是立足于自在。没有什么技巧，在李雨的创作里，反而是一种突出灵性的优势。当然，没有技巧并不是说李雨一无技巧，甚至把旋律写的苍白粗陋。

其实，没有技巧的李雨，在创作的过程上，却相当好地采取了借力打力的手法，虽然这种手法同样也是不自觉的。比如在《酒僧》、《摇篮曲》、《姐姐》等许多作品里，李雨其实都借用了一些民间戏曲的韵调，借助这些尾音和转音，来形成一种装点和修饰的作用，也让清新旋律的基调，可以显得活泼、生动、有趣。

没有技巧的束缚，也让李雨不会写那种主歌、副歌按部就班、特别鲜明的作品，但随着情绪律动的吟唱型写作，却让她在《遥远》这样的作品里，可以让情绪去托自己的情绪，并由此延伸出旋律的律动，你不知道她下一步会在哪里落脚，却也能感受到旋律所带来的画面，以及画面所带来的自由。

作为一个中文歌曲创作者，文字永远是一个需要考量的重点。虽然因为有些歌词写的古色古香的文绉绉，但李雨的作品却真的和古风其实没太大关系。有的人想借助文字莲花，再造一个古典或古今穿越的场景，而李雨的创作却是弱化时空背景，更突出了人的心情与心境。

李雨对于文字的语境创造，也非常巧妙且有灵气。《吾妻》里“不撑伞的疯姨娘”活灵活现，《梦画》里“我睡在你的心里全身透明”有色调更有想象力还有诗意，《姐姐》里用“幼年时瓜果香甜的味觉与触觉，来等量岁月的绵长，不仅显得自然，而且特别生动别致。

在当代的词人，已经完全成了文字游戏的奴隶，享受着为压韵而压韵的“快感”时，李雨实际上是重建了文字与意境的关系。让再怎么浪漫虚幻的空间，也始终有人的印迹，那种有心跳、有体温的印迹。比如明明是“那年羌笛胡弦入马蹄”的古典场景，李雨却不会因此陷入古文字堆里无法自拔，而是导出了“谁的一步之遥没结局”这样的感悟，文艺与地气就这样完美嫁接。

作为一个有潜质的新人，仅仅只是写与唱还是不够的，《鱼里言吾》这张专辑除了作品原始的出色与突出之外，其实还应该感谢制作人王于陞。王于陞很好地把握了自然与工业的平衡，为了还原李雨的创作初衷和原味，王于陞在编曲的底色上，几乎还原了李雨Demo的那种原生态，只是在这个基础上，以润色的方式，挖掘李雨旋律及意境中的潜能。这一点尤其在《遥远》这首歌曲里，更是体现得淋漓尽致，这也是在《超级女声》舞台里所没有的李雨，那个在原色基础上，进入另一个维度，呈现出近似于Dream Pop美感的李雨，或者也是未来的李雨。

现在的李雨，和《野子》的苏运莹确实有些相像，其混杂元素后自我的表达，也可以成为国内90后这一代创作女生的代表。其实现在的李雨，也像极了更早的艾敬，那个可以将大白话写的温柔感性的女唱作人，甚至可以说，现在的李雨，起点还要比当年的艾敬更高。

在一个激变的时代，你我都随波逐流，即使个性都早已经进入了工业体系。其实关于李雨的音乐世界，在她的作品《岛》里就有最好的诠释：“我住在一个自给自足的岛屿”，这种自给自足，也成就了李雨的自成一格。

去年在台湾发行首张同名专辑的庆庆，其空灵、飘逸的声线特质，很快让她赢得了“小王菲”的美誉。虽然，历史上有很多女歌手，都会因为某些细节与王菲的相似，从而去蹭王菲的人气，也让华语乐坛从此有了无数版本和前缀定义的王菲。

但庆庆与王菲的联系，却和那些XX版王菲完全不同，由庆庆联想并联系到王菲，和宣传、包装都没有关系，就是因为她们在音乐上的气质相近。无论是此前的《蝙蝠》、《玲珑心》、《逍遥吟》、《迷失太空》，还是这次的新单曲《空心》，除了用王菲的空灵去形容，你又能想到别的方式去描述吗？

作为一个小嗓型歌手，庆庆没有那种扎实且厚重的人声，她更擅长的是用鼻音和共鸣音，去勾勒出声波的流动。但也正是这种四两拨千斤的唱法，让庆庆的歌声总是处于一种虚实之间的梦幻感。就像4AD厂牌引人为傲的Dream Pop一样，人声总是会给人声场后置的空灵感，甚至可以说人声本身，就能够形成一种声学意义上的空间感，形成一种空间和声。

而和巅峰时期的王菲相比，来自六朝古都的庆庆，也更有江南水乡的娟秀气质，尤其是歌曲尾音的处理，常常会给人一种水波荡漾的感觉，比起Dream Pop那种欧美式的发声方法，更接近于东方的古典韵调。所以，单就庆庆的歌声而言，就能够形成一种小桥流水、月光空巷式的东方剪影。

这一次推出的这首全新版本的《空心》，对庆庆来说是新歌，但对乐坛来讲，是一首刚刚发表就被认可的作品《空心》是G.Z光泽首张专辑的代表作品之一，一经发表就得到业界和社会的强烈反响！许多歌手、网红、主播对其作品进行了传唱、翻唱。庆庆与G．Z光泽音乐之间的火花，已经通过庆庆首张同名专辑完美的呈现，而在华语乐坛历史上，已经有足够多的数据证明，一个顶级制作人和出色歌手最佳的组合形式，不是那种多元化的各种尝试，而是定向的合作，因为只有定向，才能在默契的基础上，不断升华音乐的火花。乐坛早期比如李宗盛于之梁静茹，比如张亚东于之王菲，也比如G.Z光泽于之庆庆。

比起原版《空心》的撕心裂肺，庆庆的这版《空心》，则完全呈现出绝然不同的意境，即使单凭人声本身，就提供出同一首作品的另一种音乐可能性，这或者也是歌声最大的意义。

庆庆的这版《空心》，给人的是一种空灵和虚幻，声线与耳朵之间的关系，不再是那种撞击的触感，而类似于拂尘，轻轻一扫而过，似有感触又似没有。也正是在这种若有若无、若即若离的感官中，庆庆版本的《空心》无疑带人进入一个时空隧道，来到另一个次元的场景。而庆庆在演唱上，那种用鼻音而不是唇齿音来加强的语气，更是给人一种朦胧又飘逸的东方古典感。

也不能忽略了《空心》这首歌曲的歌词，对于音乐的整体影响力。作为华语乐坛最为神秘的词人，姚若龙在看似工整的押韵体系中，却同样营造出一种非常自由的想象力，以及极强的画面感。奈何这些词语的运用，更是让作品中的时空感，变得格外强烈。

值得一提的是，作为制作人的G.Z光泽，这次不仅配合了庆庆的歌声，又梁身编出了另一个版本的编曲，而且是和自己演唱的版本，完全不同意境的编曲。要知道一般来讲，一首歌曲的不同可能性，往往是由不同音乐人来完成的，要让一个音乐人来实现，那就是戏剧界的一人分饰两角，这种分裂是非常难的。

而G.Z光泽不但成功为庆庆营造出一种烟雾弥漫的编曲效果，并且还邀请了自己团队的老搭档美国顶尖的吉他手Mike Mclaughlin，为这首作品演奏了吉他部分。而Mike Mclaughlin也是充分利用了空心吉他特有的箱体共鸣音，让作品在乐器的音色部分，都与作品主题《空心》完全贴合。

这是一个现实的社会，即使是情怀与理想，都被染上了现实与实在的光晕。而在这样一个时代，所有的音乐往往也都有着现实的意义，无论主题内容还是演唱技巧，似乎都必须让人看得到、摸得到才好。

而庆庆这个版本的《空心》，则在这个现实的时代，给人提供一种“空心”的美感，让《空心》中那些空灵的歌声、空心的吉他声，可以消融现实的密度，提供古典时代才有的那种声音的距离、美的距离感，实在的人生，也需要放空的时刻啊。

上周，第二季《中国新歌声》正式结束了盲选阶段的比赛。经过五周五期节目的精彩表演，众多实力学员也在双向选择的赛制中，纷纷加入到心仪导师的战队。而相比残酷的淘汰赛，第一阶段的盲选，不过是今年《中国新歌声》的暖场，因为真正的大戏、好戏、各种未知剧情的戏，都还没有真正的上演……

盲选四大特点——小、广、新、多

虽然很多人会说今年的《中国新歌声》，是同样的品牌、同样的味道，与往年的节目相比，似乎并没有什么新鲜的东西，其实这也可以说是同样的印象、同样的推理，因为今年的《中国新歌声》在趋势这一点上来讲，与之前的节目相比，明显有了很大的变化。如果给今年《中国新歌声》盲选阶段做一个最为简明的总结，那就是年龄小、地域广、面孔新、元素多。

年轻选手参加音乐真人秀，总是会成为这个节目的看点，但在今年的《中国新歌声》，这个优势已经不再成为优势，主要的原因就是年龄上没有最低、只有更低。

像在首期节目中就惊艳四方的叶炫清，就是去年才上大学的大一新生；来自新疆的达布希勒图和来自新加坡的谢惠娴，同样也不过是十九岁；以一曲《美若黎明》让导师们集体“怀春”的湘妹子郭沁，更只有十七岁；到了上周最后一场盲选，来自新加坡的陈颖恩，则用十六岁刷新了年龄的新低纪录。单纯想用低龄牌来吸引眼球，显然已经吸引不了观众的眼球。

今年的《中国新歌声》学员，除了低龄选手较多，选手的整体平均年龄也很小，这其实也折射出本季《中国新歌声》节目的另一个特点，就是真正素人选手的占比非常之高。因为在以前，每季节目通常还是会有一些选秀老熟人露脸，而今年《中国新歌声》除了重新站到舞台证明自己的台湾歌手娃娃，绝大多数学员其实都是生面孔，有些虽然此前也参加过一些小型选秀节目，但明显也是接近于纯素人的歌手。

而另有一些学员，更是真正的在校学生，此前和音乐产业并没有任何联系。这样一来，很多人会觉得今年《中国新歌声》不够惊艳，但也是因为这样，才让《中国新歌声》越来越贴近素人与新人展示自我的节目方向。更值得注意的是，随着越来越多95后学员的参与，其实今年的《中国新歌声》，已经在更大的舞台，率先开始展现95后及00后群体的音乐审美和趋势，对于音乐产业来讲，都是一个未来几年白皮本的提前预演。

往年的《中国新歌声》，虽然也有很多海外华人参加，像去年周杰伦战队星气十足的学员向阳，就是来自新加坡，但今年《中国新歌声》的海外学员，数量上显然要更多。比如卓猷燕、谢惠娴和董姿彦都来自新加坡，古洁萦、陈颖恩和谢少唐则来自马来西亚，子子来自北美，张美仪来自中国香港，娃娃来自中国台湾，小川&小虎组合中的唐伯虎，更是地道的美国人。即使在国内学员方面，他们很多也是来自不同的地区和民族，像鞠红川、希琳娜依·高就都来自新疆，次仁拉吉、扎西平措则来自西藏，而达布希勒图虽然来自新疆，却是一个蒙古族人。如此多地域、多民族的学员来源，其实也让《中国新歌声》的外延越来越大，让这个节目真正成为全球华人的音乐舞台。

音乐元素多元，更是今年《中国新歌声》的一个很重要的音乐趋势。其实每一个阶段的音乐选秀节目，都是一个时代音乐审美的折射。不同于早十年的R&B当道，以及前五年的摇滚扎堆，或者近两年的民谣主打，今年《中国新歌声》在音乐元素的分配上，不仅越来越多元，而且越来越平均，每种类型的学员就是尽情展示自己的特长，不管这种元素是不是当下最流行。而其实，做自己恰恰就是这个时代最流行的风格。

张泽的B-Box、董姿彦的爵士、韩帅和冀行的摇滚、莫安琪和叶晓粤的Rap、陈思镝的民谣、扎西平措的跨界世界音乐、谢少唐的R&B及灵魂乐等等，没有哪种曲风在节目中成为绝对主导，但这些年轻的学员，都能把这些曲风玩的淋漓尽致。再加上莫安琪这样的学员，已经在Trap的创作和制作方面，保持了与世界潮流的同步性，今年《中国新歌声》的学员表现，既是如今中国流行乐的年轻组别大PK，也是未来音乐产业走向的提前预演。

淘汰赛会出现团灭？冠军难道是她？

当然，作为一个将音乐拿到舞台呈现、并且具有综艺体质的竞技型节目，《中国新歌声》最终的看点，还是要回归到世俗凡间，并形成冠军是谁的话题。

就像之前说的，因为今年的《中国新歌声》，在曲风分配上极其多元和平均，这也使得很难形成一种相对还算统一的标准。就像早年的选秀节目，其本可以用创作型和偶像型，主流型和非主流型，抒情型和唱跳型这样的分类，来大致划分选手类型，并启用各自类型的标准，但这种定义对于现在各玩各的学员来讲，早已经是风中迷乱了。

需要友情提示的是，今年《中国新歌声》的导演组，也是搞事情不怕事情搞得更大，为了让舞台更有观赏性，并让学员的PK更多可能性，还将启用全新的淘汰赛赛制。即将原来第二阶段导师内部PK的家庭内斗，变更成为魔鬼六次方的循环PK。在三轮共十八场的PK中，每位导师都将用手下的九位学员，与不同导师的九位学员进行近似于足球联赛的循环赛。这样的赛制比起导师战队内斗，不仅有更强的可看性、竞争性，而且在理论上存在某一位导师学员团灭的可能性，即最后有可能有某位导师，最终可以不用去鸟巢。即使这样想一想，是不是都会让爱热闹的你，觉得紧张刺激？

这样的赛制，决定了导师势必会更加用心对待每一位学员的每一场PK。而除了音乐本身的自由展现，作为一种近似于战役的比赛，同样也要让每位导师，这次还要耍点战略的小心机，最简单的就是拿出田忌赛马的策略。不过，因为节目赛制由导师各自抽签决定学员，所以未知性也让导师不能仅仅只是靠猜测对方来排兵布局，除了做好自己之外，还要以自我的性格作为支点来排兵。比如像周杰伦和陈奕迅导师，可能会在舞台多样性上，多给队员指导意见，通过一些音乐以外的配置，来加强有些学员的战斗力，所以在学员选择上，反而会用随机的策略听天由命。

而中国内地的导师刘欢和那英，因为年龄和阅历的原因，很可能会把宝压在最后，即把他们认为最好的学员，放到最后关头去终结战局。当然，如果四位导师的心都想到一块儿，所有最好的学员都扎堆跑到最后一轮去PK……嘿嘿，这样的“残杀”，想想都觉得刺激！

虽然学员风格各异，但不同的人肯定都有不同的偏好。以本人多年的听唱片、看演出、观节目之经验，曲风相对大众，长相别太前卫，音乐表达细腻的歌手，往往会从众多的学员中脱颖而出。

从今年《中国新歌声》的学员情况来看，我最看好能够走到最后的学员，就是叶炫清和达布希勒图。两位学员最大的特点，就是有着远远大于年龄的歌艺成熟度，对于歌曲的演绎极具层次感和张力，是典型的少年老成型歌手。而且虽然在盲选的时候，选的都是抒情类的作品，但从声音的力度和气场来讲，两位学员还都有很大的潜力和可塑性。从《中国新歌声》对“新”的明确定义来讲，这样的潜力性歌手，已经不到二十岁的年纪，恐怕是最合适的。

如果一定要二选一，我还是会选那英战队的叶炫清。

第五期《中国新歌声》，推荐三朵姐妹花

上周第五期《中国新歌声》因为是盲选最后一期，所以一下子出现了十五位选手，风格各异的他们，颇给人一种眼花缭乱的感觉，一一点评怕太长，我还是重点推荐其中的三位学员。

首先要提一下的是在上周节目中，只以蒙太奇方式出现的韩艾洁。因为这位学员无论是外形和选歌，很可能被匆匆的你所忽略，毕竟从两者来讲，可能都有点路人和普通。不过，韩艾洁演唱的这首《等不到天昏地暗》，却是一首除了在舞台竞技，更适合在耳边聆听的走心之作。尤其是在这个年轻人追求个性，把音乐当成炫技的时代，韩艾洁这种回归内心的唱法，就更有种珍稀的感觉。没有技巧就是最好的技巧，用来形容这首歌曲，实在最为恰当不过了。

来自马来西亚的陈颖恩，以十六岁的年龄，创造了今年《中国新歌声》年龄最小学员的纪录，而她选择的则是林俊杰一首并不算一线传唱度的歌曲：《那些你很冒险的梦》，这首歌曲的演唱和韩艾洁的《等不到天昏地暗》，其实有异曲同工之妙。就是那种平铺直叙、但又循序渐进的演绎，你可以说演唱中规中矩，但在有序与合理中，却又有着柳暗花明的精彩。最重要的是，无论是情绪的递进，还是音高的提升，一切都是在可控范围内，做最精致和细腻的呈现，让歌声不仅动听而且走心。

张婉清的《浪人情歌》，则在唱功的基础上，更是上周《中国新歌声》里，可以用惊喜来形容的一首歌曲。这首歌曲的原作和原创，是台湾摇滚教父级的歌手伍佰，而伍佰创作风格的顽固，在华语乐坛可是知了名的，即使如歌神张学友这样的大拿，在唱《如果这都不算爱》时，都很难把原作者伍佰从歌里“赶出去”，也说明伍佰旋律风格的个性。而这次张婉清也真是歌如其名，将一首原本硬气的摇滚情歌，以一种婉约和清奇的方式呈现出来，爵士乐的伴奏，款款大方的演绎，再加上Shuffle这种举重若轻的处理，不仅完全改变了作品的气质，并用人声重塑了经典的新性格，还真的把伍佰老师，从这首歌曲里“赶出去”了。

除此之外，长相颇有去年导师周杰伦和学员向阳合体感的闫峻，在掌控上的精巧和张力，同样让人印象深刻，他也是我认为可以和叶炫清、达布希勒图一战的冠军级学员。

上周，第二季《中国新歌声》已经结束了导师收人的盲选阶段，和上一季节目随后就将进入导师内部考核战不同，这一次的《中国新歌声》，没有给导师留下任何“袒护”学员的机会，而是推出了全新的魔鬼六次方大逃杀赛制。

魔鬼六次方这个赛制的逻辑，是每一轮都会有两名导师的各一名学员，通过导师抽签的方式对局，胜者晋级、负者直接淘汰，而每位导师将拥有一个挽救名额，被挽救的学员则将进行终极PK，确定最后入选鸟巢冲刺夜的机会。

要说这个魔鬼六次方赛制，不仅让学员头痛，也会让导师头痛。因为在每一轮的比赛中，导师除了选出一位学员应战之外，就不能做什么了，毕竟他们也完全不知道，对方是哪一位导师派出哪一位学员，更不用说那位学员选了哪一首歌。有可能是情歌PK情歌，有可能是“奇葩”Meets“怪咖”。总之，从结果上来说是一切皆有可能。

所以，《中国新歌声》的导演，你确定你不是来搞事情的吗？

不过，不管今年《中国新歌声》的第二阶段会出多大事，再看热闹之前，还是让我们先来回顾一下导师战队的情况，知己知彼，才能买定离手嘛！

周杰伦战队——年龄有大小，实力很接近

在今年《中国新歌声》的四大导师战队中，周杰伦既有年龄最小的学员：16岁的陈颖恩，也有年龄并列第一大的学员：37岁的卓猷燕，以及年龄第二大的学员：35岁的董姿彦，这也让周杰伦的战队，成为年龄差距最大的战队。

不过，看起来老的老、小的小的阵容，实际的情况却是学员实力相当接近，而且无论年龄大小，周杰伦的学员还都属于即插即用型学员，不谈潜质、就能一战。在音乐层面，周杰伦的大部分学员都有一个共通的特点，就是像李硕、达布希勒图和张鑫这样的学员，看起来主流，却又在主流中有一定的共性，就像是唱抒情的周杰伦自己。而像董姿彦和莫安琪这样有着极强音乐性的选手，同样不会让人觉得无法接受，尤其是莫安琪，甚至有很多的星气，这也像是在个性音乐风格中畅游的周杰伦自己。

从周杰伦战队学员的盘面分析，除了风格上的差异性上来讲，实力上并没有太大的差距，这个学员格局，其实在魔鬼六次方的PK中，就有两种反差很大的截然不同可能性。一是因为学员总是遇到其他导师战队的强手，所以常常险败。另一种就是每次总是遇到实力稍差、或者选歌出问题的其他导师学员，所以轻松过关。

也是因为这种学员实力的平均性，再加上周杰伦本身随兴的性格，所以在面对这次大逃杀的PK时，周杰伦不会在战局这种烧脑的规划上耍心机，他更多会选择随遇而安的方式，让自己的学员应对任何一次挑战。更何况，面对这种搞事情的赛制，导师想要使劲，也没劲可使啊。

陈奕迅战队——没有风格就是Eason的风格

作为首次参加《中国新歌声》的导师，陈奕迅非常像是去年的另一位港台地区导师：庾澄庆，虽然他没有说出来，但其实陈奕迅也是一个“不做第一，只做唯一”型的导师。

陈奕迅战队无疑是一个怪咖云集的战队。B-Box的张泽，在今年的《中国新歌声》是独一无二的；女Rap的叶晓粤，唯一能够和她对得上号的，也只有周杰伦战队的莫安琪；杜星萤的唱功也许不是最好的，但台型却是最有设计感的；夏启明则是一个能把情歌给人唱醉的歌手，再加上“年画”的喜乐造型，双重印象都有了；摇滚歌手韩帅虽然也有竞品，但他的《烽火扬州路》，这季的其他《中国新歌声》学员却唱不了；而古洁萦和肖凯晔，在形象上也都让人印象深刻。

这种形象及音乐上的高辨识度，让陈奕迅导师战队的学员，就有了在魔鬼六次方赛制中成为黑马的潜质。比如像张泽这样的学员，因为没人能和他玩B-Box，在没有共通的标准之下，只要是张泽选对歌，就算完成及格线以上，都能因为风格独特而让人印象深刻，从而让51位媒体及音乐人评审，将投票倾向于他。

所以，陈奕迅导师这个战队，也根本不需要考虑对手导师的学员，像闫竣、张泽、杜星萤、叶晓粤这些学员一旦放出去，很可能就会让对手导师的学员回家去。特别值得一提的是叶晓粤，唯一能够和她在共通标准下PK的，也只有周杰伦战队的莫安琪，这两位学员在今年《中国新歌声》的舞台，显然存在两种可能。一种是对上，一种是没对上……这当然是句废话，而重点则是你觉得她们到底是对上，还是没对上？

陈奕迅导师的个人性格，也决定了他不会在战略上做过多的布局，以他在音乐上的习惯，倒是更可以期待学员在选歌和编曲上的独特性。至于结果，可以负责任地说一句，陈奕迅战队的强辨识度属性，要么让他成为最强导师，要么让他成为最弱导师。

你觉得呢？

刘欢战队——和导师一起学院派

刘欢导师战队的学员，显然是近导师者像导师，很多学员既有着很强的音乐性，还有着一些学院派的气质。

像小川&小虎的组合，其强项就是男女声的和声互补，这对于有着丰富和声理论的刘欢导师来讲，显然是“物以类聚”，而且很有可能在大逃杀阶段，充分利用这种利器。扎西平措跨界世界音乐的《一面湖水》，已经让他成为盲选阶段最为亮眼的学员之一，明明有天然和天赋的藏音嗓，却还要那么开放和努力，再加上最喜欢在编曲上加元素的刘欢老师助阵，扎西平措今年如果在魔鬼六次方就被淘汰……那几乎是不可能的。

而刘欢导师战队的其他学员，像子子来自于加拿大，并且有着丰富的演绎经验和理论知识；谢少唐的R&B技巧也是可圈可点；张一腾在盲选的一首《性别》，更是让原唱范忆堂上了热搜；张婉清的《浪人情歌》，也以颠覆性的改编和演绎，重塑了这首经典作品的型格；胡斯默则是又一位让人想到周深的男歌手，天籁之音就是他的天赋，这种声音只要找对歌曲，基本能“干掉”所有传统情歌系的歌手。

从刘欢导师战队的学员分析，这个战队中风格最鲜明、实力较突出的，分别是扎西平措、小川&小虎和胡斯默，以刘欢导师沉稳、成熟的性格，他最有可能就是把这三张牌分开打，并且在间隔上，会形成前、中、后的布局。至于到底是哪位学员先上，哪位学员压轴，你觉得我会告诉你吗？

那英战队——那姐有颗少女心

以《春暖花开》作为导师主题音乐的那英战队，其战队学员的特点也是“春暖花开”，几乎以少女为主组成的战队，即使以后不单人发展，也可以组个大型女团闯荡歌坛。

在今年那英导师的战队中，叶炫清无疑是爆款型学员。这位年仅19岁的大一新生，以远远大于实际年龄的老成声线，成为今年《中国新歌声》首期节目播出后的焦点。而从叶炫清的实力来讲，即使不能最后夺冠，通过魔鬼六次方这个环节，可以说完全没有压力。甚至可以说，她如果不出现在鸟巢，已经是一种个人的失败。

另一位年仅17岁的学员郭沁，你既可以说她像路人，像纯粹的学生，但也正是她的这种气质，让她在这个舞台变得独一无二的清爽，成为黑马已经是郭沁在今年《中国新歌声》最佳的人设。

除此之外，名字已经有辨识度的希琳娜依·高，以及走文艺路线的李雅，也是那英导师战队中很突出，尤其是容易被人记住的学员。至于王乐汀这位“大叔”，一直觉得他是那英导师战队中最奇怪的一种存在。

作为带出过三个冠军的导师，那英在《中国新歌声》这样的节目中，可以说有着丰富的实战经验。虽然，面对魔鬼六次方的大逃杀，那英导师也是第一次面对，但以那英导师好胜的性格，绝对不会轻易放过任何一次机会，所以肯定会布置一定的战略来应对，即使不知道对手是谁，至少自己能够做到最强的队列。

同样来自中国内地，同样是人生阅历无比丰富的导师，那英和刘欢很有可能会有相似的布局。所以，或者叶炫清、或者郭沁，肯定会被排在倒数第二的位置。一是在最后时刻震慑对手，二是在倒数第二轮的时候，万一出现王牌学员被PK掉的情况，也可以让那英导师有机会去拯救爱将。而且这两个学员的出场不会相差太远，谁先输就先救谁。如果两个都输了，那就只能救第一个，但这种情况发生的可能性，也是微乎其微了。

那英导师战队的学员，有一个共通性，就是没有非主流的音乐属性，在舞台型格上，和陈奕迅导师战队相比也很吃亏。所以那英对于学员的精力，必须用在选歌，以及音乐总监刘卓在音乐编曲的调校上。从那英导师战队的学员属性上，她既有冠军面相的学员，却又是过大逃杀可能最不顺利的导师，这听起来是个悖论，但研究透了，你也就会发现《中国新歌声》的节目逻辑。

大逃杀赛制，有一位导师笑到了最后

再来说说这个魔鬼六次方赛制。

四位导师每组会有九位学员，每一轮都会有两位导师的学员进行PK，那英斗完了刘欢半Eason，斗完了Eason再斗杰伦。反过来也是，杰伦斗完了Eason斗刘欢，斗完了刘欢斗那英……谁，都不会吃亏的。而掌握学员生杀大权的，则是现场由音乐人、制作人、电台DJ和乐评人组成的51人编制评审团。

数学好的同学应该发现，这样的赛制在理论上存在一种可能性，就是会有一位导师在九位学员全部出战后，因为九战皆败而被团灭，即使导师启用拯救名额，在终极PK中还是有可能输给另一位被捞上来的同病相怜学员，从而彻底团灭。想想都觉得惨绝人寰，如果真发生这种极端的可能性，那这位导师对于下期《中国新歌声》，一定是不会来的了。

当然，现实中肯定不会发生这种极端情况，更何况四位导师都有各自不止一张的王牌学员。所以，最后的结果只是导师战队剩下学员数量的多少而已，这里就出现了大逃杀的另一个规则，即四位导师中谁的学员最后剩下最多，这位导师就有两个学员进入鸟巢总决赛，而其他三位导师则只能有一位学员去鸟巢。

可以剧透的是，今年《中国新歌声》的大逃杀之后，还真有一位导师有了两位学员进鸟巢的资格。这好像是句废话，那么再剧透的深一点，就是这位导师最后的优势，还是相当之巨大。至于你问我要这位导师是男是女、姓甚名谁、来自何方的小贴士……我是不会上当的。

在这次第二阶段的大逃杀中，还真遇上了好几场王牌与王牌的强强对话，那个场面叫一个惨烈，那个PK叫一个激烈，而且有的在盲选时期表现相当出色、甚至被认为有夺冠相的选手，真的就是被PK掉了。而且，被PK掉就真是被PK掉了，回不来了。

当然，这其中也曾经出现过几次辗压式的结果，既有47比4，甚至还有49比2的绝对优势胜出的场面。其中有一位导师，更是在这次大逃杀的赛制中，享受了忽而自己学员被对手辗压，忽而自己学员又辗压对手的场景，这场景想想都觉得刺激。

那英导师对待学员的感性，刘欢导师在学员音乐上的匠心，周杰伦在现场大抛音乐理论，以及陈奕迅看似不正经之下对于学员的认真，都将成为大逃杀阶段的看点。其实想想，别人的PK，与你何关，对于绝大部分有兴趣看《中国新歌声》的歌迷，谁不是抱着对音乐的热爱之心。结果并不重要，听到好歌声才重要。

这种结尾，《中国新歌声》的导演应该是会很满意的。

很多人都看轻选秀节目，认为这只是综艺和娱乐。但没有选秀节目，哪能听得到那么多流散于江湖的传奇声音，其中有些声音，更是听一耳朵觉得惊艳，再听一耳朵还是觉得惊艳，比如秦宇子。

作为第三季《中国好声音》的学员，秦宇子也是当季节目最让人印象深刻的选手之一。不过，和很多选秀出身的歌手一样，参加完节目的秦宇子，并没有在音乐事业上一路高歌猛进。这就是社会的现实，持续的曝光才能持续的被关注，而有些人就因为关注度低，慢慢消失在了人潮人海。当然，残酷的说一句，有些歌手走了也就走了，但有的歌手却值得你一直等待下去，比如秦宇子。

在加盟“太合音乐”这艘音乐航母之后，秦宇子终于推出了一首真正属于自己的烙印型单曲《Luna》。和一般新人、新厂牌的新单相比，秦宇子这首作品对于她来讲，可以是一首奠定个人高度的风格型作品，对于今年的华语乐坛来讲，同样也是一首人与歌结合的典范之作。

秦宇子会唱歌，这个大家都知道，也是最不需要用单曲来证明的东西。而且，一个在很多人眼里公认的唱将级歌手，如果一旦发行的作品，留给人的只是唱将这个印象，那么这首歌曲基本就是失败的。正所谓能力越大、责任越大，唱将型歌手想要破局，只有一条路好走，那就是把唱功在合适的作品里，用在合适的地方。

《Luna》这首作品，虽然请到了厉曼婷担任填词人，而华语词坛大家的她，也以优美、形象和简洁的用词，将月光女神鲜艳又憔悴的气质跃然纸上。但作品虽然制作上精益求精，却没有现在那种用钱砸歌的商业味道。整首歌曲无论是作曲还是编曲，以及作曲人叶怀佩的钢琴演奏，还是马毓芬老师的和声，都是在典雅的基调上精工细造，所以也有了套路歌曲所没有的艺术感。

而如果说此前华语乐坛的炫技成风，是唱功1.0时代，那么秦宇子在《Luna》这首歌曲里的演绎，无疑已经是进入到唱功的2.0时代。整首作品里的技巧，都以一种隐藏的方式，躲在各个细节中，而不是以一种比较表面的方式，凌驾于歌曲之上。但和那些感觉派的歌手又不同，秦宇子的底子，又注定了这首看似用非常内心演绎的作品，在不经意处，常常会有惊艳的细节。

从作品开始的低吟浅唱开场，中音处的秦宇子，已经赋予了作品足够的力度和声线磁性，一些小细节的Shuffle处理，恰到好处地将情绪变的个人，也让音乐变得从容自然。而之后的高音，秦宇子同样表现的雍容而不急切、嘹亮却不吵闹，像是自然延伸出来的转调，既让人想到R&B，但又和R&B那种套路化的炫技完全不同，很明显感觉整个的技巧，都是通过情绪一步步发酵并推动的。

即使在人声的最高点，秦宇子同样可以表现出那种婉转、缠绵的情绪，而且在收放之间，以一种克制和节制的方式，在人声与人声之间，形成更多的留白空间，与那种老是用高音顶到爆格的作品相比，这种放中有收的处理，不仅技术更高级，听起来也更其味无穷。

由秦宇子本人及马毓芬老师所配唱的和声，更用一种人声的合谐，来衬托主人声部分的优美，也体现出人声的那种立体感和层次感。在这个每位歌手都想证明自己声音独一无二的时代，其实往往忽略了唱歌的另外一种美感，及不同声部的合作与全谐，《Luna》，做到了。

《Luna》这首歌曲还有一个让人印象深刻的部分，就是整首歌曲的词曲唱，没有那种明显的分离感。厉曼婷的歌词在秦宇子的歌声中，就像是秦宇子自己迎风唱出的文字之花，一顿一挫，都与她的音色不可分离。而作品在编曲上，基本已经没有了编曲的印迹，就像是随着整个人声部分服务，从而真正起到乐器衬托人声的效果。这听起来似乎是歌曲存在的意义，也是歌曲类编曲应该去做的事情，只是近几年因为歌曲创作的乏力，歌手演唱的缺乏想象力，让很多作品都无限突出编曲的音乐性，从而覆盖了歌曲应该有的很多表达功能。秦宇子的《Luna》，则以这样一种方式，让歌曲回归了歌曲，让歌声重新变得迷人。